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A exemplo do que eu já havia feito ano passado, aqui estão quatro entrevistas que fiz com novos diretores participantes da edição 2013 do Fantaspoa - Festival Internacional de Cinema Fantástico de Porto Alegre. Trata-se de uma tentativa de valorizar o trabalho desses cineastas iniciantes, muitos deles apresentando seu primeiro longa aqui no Brasil. Quem sabe amanhã estes caras se transformem em grandes e respeitados nomes do cinema fantástico, e nesse caso você já os terá conhecido em primeira mão graças ao FILMES PARA DOIDOS!

Nos vídeos abaixo, o leitor pode conferir minhas entrevistas com os cineastas norte-americanos Mike Mendez ("Big Ass Spider") e Jeremy Gardner ("The Battery"), com o inglês Paul Hyett ("The Seasoning House" aka "A Casa de Tolerância") e com o paraguaio Juan Carlos Maneglia ("7 Cajas" aja "7 Caixas"), esse último dando uma verdadeira aula de humildade para aqueles petulantes cineastas brasileiros dependentes de Leis de Incentivo à Cultura para fazer filmes pretensiosos que ninguém vai ver.

Já falei rapidamente aqui no blog sobre o quanto gostei dos filmes desses caras todos, e nas entrevistas (devidamente legendadas em português) o leitor poderá conhecer mais sobre as obras e sobre os próprios realizadores, que falam sobre suas influências, referências e sobre o cinema fantástico moderno. Para poupá-los do meu inglês horrível e do meu "portunhol", substituí as perguntas que fiz por títulos com os temas discutidos.

Sei que nem todos gostam de ver entrevistas em vídeo, e eu mesmo prefiro as entrevistas transcritas (por escrito). Mas reserve um tempinho para ver e ouvir o que esses caras têm a dizer. Afinal, como eu já falei no Fantaspoa do ano passado, eles podem ser os Stuart Gordons, John Carpenters e David Cronenbergs de amanhã.

E como "plus a mais", deixo também um vídeo que fiz com os melhores momentos da inesquecível apresentação do músico italiano (nascido brasileiro) Claudio Simonetti, o ex-Banda Goblin responsável por temas imortais dos clássicos de Dario Argento, George A. Romero, Lamberto Bava e outros, que em Porto Alegre fez o seu PRIMEIRO SHOW EM TERRITÓRIO BRASILEIRO DE TODOS OS TEMPOS! Simplesmente imperdível e emocionante para qualquer fã de boa música e/ou cinema fantástico.


Entrevista com Paul Hyett


Entrevista com Juan Carlos Maneglia


Entrevista com Mike Mendez


Entrevista com Jeremy Gardner & co.


Claudio Simonetti Live in Porto Alegre

KICK-ASS 2 (2013, EUA. Dir: Jeff Wadlow)
Curto e grosso: se "Kick-Ass" fosse uma trilogia (e talvez venha a ser, mas ainda não é), esta Parte 2 seria "O Império Contra-Ataca". Eu ainda prefiro o primeiro, mas "Kick-Ass 2"é uma daquelas continuações excelentes que não devem quase nada ao original, e ainda tentam expandir o conceito ao invés de ficar na zona de conforto e entregar um "mais do mesmo". Se o primeiro filme era uma fábula para adultos sobre jovens do "mundo real" que resolvem se transformar em super-heróis fantasiados, e combater o crime mesmo sem possuírem nenhum superpoder, este segundo analisa as consequências e repercussões do "vigilantismo mascarado". Afinal, o sucesso do atrapalhado Kick-Ass (interpretado por Aaron Taylor-Johnson) inspirou toda uma nova leva de "super-heróis sem poderes", usando os uniformes e nomes mais absurdos e as armas mais ridículas. E quando a heroína-mirim Hit-Girl (Chloë Grace Moretz), agora adolescente, aposenta sua vida dupla contra a vontade, a pedido do padrasto, Kick-Ass resolve integrar um grupo de justiceiros mascarados, tipo um "Vingadores sem poderes", liderado pelo Coronel Stars and Stripes (um quase irreconhecível Jim Carrey). O problema é exatamente aquele conceito já explorado à exaustão nos filmes do Batman: será que um vilão lunático, como o Coringa, não é um reflexo direto da existência de um outro lunático que se veste de morcego? No caso aqui, a existência dos "super-heróis" motiva o surgimento de um primeiro grupo de "super-vilões", liderados por Chris D'Amico (Christopher Mintz-Plasse), filho do mafioso assassinado na conclusão do primeiro filme. Ele se transformou no terrível Motherfucker e, chefiando um grupo de bandidões fantasiados, começa a semear o horror pela cidade antes de partir para o ataque direto contra Kick-Ass. O resultado é um filme tão cheio de exageros e violência explícita quanto o original, mas sem medo de ser mais "dark" e terrível do que aquele, sem poupar nem mesmo os personagens mais simpáticos - e isso que a adaptação suaviza algumas atrocidades mostradas originalmente na HQ de Mark Millar e John Romita Jr. Em certos momentos (como no caso de um estupro mal-sucedido), o espectador se pega rindo de nervoso do humor negríssimo. E se a Hit-Girl, que era a melhor coisa do original, agora foi jogada para segundo plano (há uma subtrama nem sempre divertida envolvendo as tentativas da menina de viver como uma "adolescente normal"), os personagens secundários acabam roubando o espetáculo. O destaque absoluto é a anabolizada Mother Russia (Olga Kurkulina), uma das super-vilãs da equipe de Motherfucker, que é uma antagonista de respeito. E John Leguizamo, quem diria, está ótimo como o conselheiro do vilão adolescente (a quem o próprio chama de Alfred, em referência a Batman), e eu nem me lembro qual foi a última vez em que Leguizamo esteve tão bem num filme ("O Verão de Sam", talvez?). Não ligue para as críticas bunda-moles, inclusive uma já célebre que acusa"Kick-Ass 2" de incentivar o vigilantismo (acredite, é bem o contrário!), e compara uma piada cretina envolvendo vômitos e diarréia com os massacres nas escolas americanas (é sério!). Porque a verdade é que se antes eu tinha medo de "Kick-Ass 2"perder sua essência nas mãos de outro diretor que não o Matthew Vaughn do original, agora eu já acredito estar diante de uma das mais divertidas, coloridas, criativas e fascinantes franquias de super-heróis já produzidas, que não tem medo de ser mais adulta e sanguinolenta do que as bobagens metidas a sérias produzidas por Christopher Nolan, Bryan Singer, Zack Snyder e cia. Que venha "Kick-Ass 3"!


ROTA DE FUGA (Escape Plan, 2013, EUA. Dir: Mikael Håfström)
Mais até do que "Os Mercenários" 1 e 2,"Rota de Fuga"é um verdadeiro deleite para todo moleque que cresceu acompanhando o cinema de ação dos anos 1980. Afinal, é aqui que temos a oportunidade de ver os dois maiores ídolos da época, Stallone e Schwarzenegger, REALMENTE lutando lado a lado e como personagens principais de um filme, sem dividi-lo com outros ídolos e (principalmente) sem ser ofuscados pela nova geração de astros do gênero. Stallone interpreta Ray Breslin, um especialista em segurança cujo trabalho é infiltrar-se em presídios de segurança máxima e fugir deles para mostrar as falhas do sistema. Mas ele cai numa armadilha ao ser encarcerado numa nova cadeia de alta tecnologia chamada "The Tomb" (que era o título original do filme), de onde é impossível fugir. Resta ao herói juntar forças com outro detento, Rottmayer (Schwarzenegger, é claro!), para tentar encontrar uma saída. A primeira metade de "Rota de Fuga"é ótima, explorando muito bem a química entre os dois envelhecidos astros, que chegam a trocar porradas (o que não acontecia em "Os Mercenários"). Mas, principalmente, a primeira metade explora a inteligência do personagem de Stallone, que, tal qual um McGyver moderno, busca as maneiras mais criativas para conseguir "dobrar" a segurança máxima da prisão - como ao usar o calor de uma lâmpada para dilatar e fazer saltar os parafusos que prendem uma chapa de metal do piso! Infelizmente, o roteiro que começa tão ágil e esperto desmorona na conclusão, quando começa a apelar para soluções fáceis e absurdas. A maneira como os heróis conseguem escapar do presídio (sem querer estragar a surpresa de ninguém, mas é o que se espera, né?) depende muito mais da sorte e de influências externas do que da inteligência ou da força dos protagonistas, e é uma pena que, depois de apresentar Stallone como um mestre das fugas, os roteiristas apelem para algo tão simplório quanto um e-mail enviado a ex-associados de Schwarzenegger para tornar a fuga possível. Isso sem contar na facilidade com que os personagens escondem e carregam objetos numa prisão supostamente de segurança máxima (Ray chega a sair do consultório médico levando um montão de quinquilharias debaixo da blusa, e sem ser revistado por nenhum guarda!). Para fechar com chave de bosta, a "revelação final" sobre o personagem de Schwarzenegger não faz o menor sentido. É uma pena, porque o filme realmente começa muito bem. Mas é impossível não abrir um sorrisão na cena em câmera lenta que mostra Schwarzenegger pegando uma metralhadora de alto calibre e lembrando dos seus tempos de "Comando para Matar" (só faltou dar uma piscadinha para o espectador). E ainda que o ato final inteiro seja péssimo,"Rota de Fuga" ainda é melhor que a média do Domingo Maior, principalmente graças ao vilão: ninguém menos que Jesus em pessoa, ou Jim Caviezel, divertindo-se muito como o intragável diretor da prisão. Podia ser melhor, mas como veículo para a parceria entre os dois astros já funciona muito bem (ainda que seja impossível não ficar pensando no que eles teriam feito juntos no auge de suas carreiras, lá nos anos 80...).


REBOBINE ISSO! (Rewind This!, 2013, EUA. Dir: Josh Johnson)
Há quem diga que o videocassete foi o mais importante eletrodoméstico do século 20. Pode até não significar nada para a molecada que hoje tem todo um oásis de torrents e downloads de filmes à disposição, mas quem viveu o auge daquela época certamente lembra como o videocassete trouxe o cinema para dentro de casa e democratizou o acesso a filmes (se antes você dependia da programação dos cinemas e canais de TV, agora você podia escolher o que queria ver). Pois"Rebobine Isso!"é um documentário sobre o VHS e a maneira como este aparelho hoje pré-histórico transformou a vida de cinéfilos de todas as idades e intensidades, desde os apaixonados por cinema até o casal que só queria pegar um pornôzinho para assistir na privacidade do seu lar. Enfim, só o tema já torna o filme obrigatório, principalmente para quem viveu a época. Mas a boa notícia é que este documentário também é muito divertido, além de informativo. Começa com cenas filmadas no próprio formato VHS, mostrando um colecionador de fitas visitando uma feira de antiguidades em busca de filmes raros. Depois, o enfoque se divide entre entrevistas com outros tantos colecionadores norte-americanos, que ainda compram e mantêm fitas de vídeo, e falam sobre como o videocassete mudou suas vidas, e com gente conhecida como Charles Band, Lloyd Kaufman, Frank Henenlotter e David Schmoeller, estes falando sobre como o vídeo doméstico foi importante para suas carreiras, já que os filmes baratos que produziam/dirigiam acabaram em prateleiras de locadora ao lado de superproduções de Hollywood! "Rebobine Isso!"quase perde o foco quando tenta abraçar o mundo e cai num assunto que mereceria um documentário próprio: os malucos que aproveitaram a simplicidade e o baixo custo do formato para gravar seus próprios filmes em vídeo. O representante da classe aqui é um sujeito chamado Rocky Nelson, que tem certo culto entre fãs de trash nos EUA, mas é um completo desconhecido no Brasil - e certamente existiam muitos outros nomes do universo do "shot in video" que mereceriam o mesmo destaque. Pulando esse detalhe, que felizmente não rouba muito tempo, o documentário é excelente, e recheado de engraçadíssimos trechos de produções bizarras que ficaram limitadas ao universo do VHS, como a fita com o programa de aeróbica do ator Bubba Smith, aquele gigante que interpretava o Hightower na série "Loucademia de Polícia"! Para quem também viveu aquela época maravilhosa das fitas e videolocadoras,"Rebobine Isso!" reserva momentos hilários, nostálgicos e até emocionantes. Cinéfilos das antigas podem até derramar algumas lágrimas lembrando daquele tempo que nunca mais vai voltar, e de detalhes absurdos de uma época bem ingênua - como o fato dos trechos com "fita mastigada" antecederem cenas de sexo ou nudez, já que a fita estragava exatamente porque alguém havia rebobinado e reassistido aquele trecho muitas vezes!


O ATAQUE (White House Down, 2013, EUA. Dir: Roland Emmerich)
Às vezes Hollywood apronta dessas, de produzir dois filmes praticamente idênticos na mesma época. Neste caso em questão, "O Ataque" tem argumento muito parecido com o de "Invasão à Casa Branca", que saiu alguns meses antes: terroristas invadem a Casa Branca e um agente especial é o único que consegue escapar com vida do atentado para salvar o pescoço do presidente. A principal diferença entre os dois filmes é a qualidade: enquanto "Invasão à Casa Branca"é um filmaço, esse aqui é meia-boca em tudo, mas principalmente em matéria de ação e violência - já que, ao contrário do anterior, tem classificação PG-13, voltada a um público mais jovem. Channing Tatum, o novo ídolo da molecada, interpreta Cale, o herói azarado que vai pedir emprego como segurança do presidente dos Estados Unidos justamente no dia do ataque dos terroristas (que conveniente...). Já Jamie Foxx, o inexpressivo Django do Tarantino, é o presidente à la Obama. Eles formarão uma dupla completamente absurda para enfrentar vilões cuja mira piora muito quando precisam atirar nos heróis do filme, e que são liderados por James Woods (bem longe dos seus melhores papéis de bandidão). Na minha resenha de "Invasão à Casa Branca", eu comentei que aquele filme tinha clima de "Duro de Matar"; pois esse aqui, não contente em imitar o clima, copia elementos do filme de McTiernan na cara-dura, como o herói que, a exemplo do veterano John McClane, passa a maior parte do tempo esgueirando-se em poços de elevador e túneis de ventilação para pegar os terroristas de surpresa, e perdendo partes do figurino à medida que o filme avança. Mas falta carisma e - principalmente - "atitude" a Tatum para convencer no papel do protagonista que salva a pátria. E enquanto Gerald Butler tocava o terror nos vilões em "Invasão à Casa Branca", distribuindo porradas, tiros e facadas na cabeça, o herói aqui protagoniza cenas de ação mais inofensivas e bem esquecíveis, com direito a uma ridícula perseguição pelos jardins da Casa Branca. Parece que o diretor Emmerich, um especialista contemporâneo em cinema-catástrofe, gastou todo o seu repertório nas cenas do atentado ao famoso edifício de Washington (que também perdem feio para a chacina mostrada no anterior "Invasão à Casa Branca"); depois, quando a pauleira começa, ele simplesmente não sabe o que fazer e toca o filme no piloto automático. Por isso, o negócio é deixar esse aqui na prateleira das locadoras (ou na fila de download) e pegar "Invasão à Casa Branca", que pelo menos cumpre o que promete no quesito "ação e pancadaria".


UMA TACADA DA PESADA (Deal of the Century, 1983, EUA. Dir: William Friedkin)
Considerado um dos trabalhos mais fracos do mestre William Friedkin (ignorado pelo próprio em sua auto-biografia lançada recentemente),"Uma Tacada da Pesada" pode ser definido como uma comédia sem graça, em que a ironia e o humor negro se sobrepõem às "piadas para gargalhar" que o pôster promete - e que se espera de um filme estrelado por Chevy Chase (à época no auge da fama e da arrogância). Mas o resultado também não é tão ruim e descartável quanto os detratores da obra querem fazer parecer. E não deixa de ser um trabalho visionário, já que, junto com "A Melhor Defesa é o Ataque" (1984), de Willard Huyck, é um dos primeiros filmes a brincar com a indústria armamentista, e isso décadas antes de "O Senhor das Armas" e "Guerra S.A. - Faturando Alto". Chase interpreta Eddie Muntz, um vendedor de armas espertalhão que resolve assumir o contrato milionário de venda de uma nova arma de guerra depois que o negociante original comete suicídio - este é o "negócio do século" do título original. Só que ele enfrentará dois problemas: a tal nova arma não funciona, e o seu sócio, interpretado por Gregory Hines, quer mudar de vida movido por inspiração religiosa. Há momentos muito divertidos, como o comercial bonitinho sobre a responsabilidade social de uma fabricante de armas sendo alterado para mostrar o "potencial de extermínio" das armas produzidas, ou a impagável lábia de Muntz para vender todo tipo de artilharia como se estivesse negociando produtos absolutamente comuns. Alguns momentos também rendem risadas amarelas pelo inusitado, tipo quando o protagonista leva um tiro no pé em que já tinha sido baleado antes, e que estava engessado, necessitando impedir a hemorragia com a colocação de uma rolha no buraco no gesso! Mas, no geral, esta é realmente uma comédia de poucas risadas (ou nenhuma risada, para a maior parte do público), que ainda desperdiça Sigourney Weaver em papel apagado, e parece ter medo de ir mais além, apelando para uma fraquíssima conclusão moralista (que, segundo entrevista com Chevy Chase, foi uma alteração feita na pós-produção). Certamente não é o pior filme de Friedkin ("Jade" e "A Árvore da Maldição" são bem piores), mas não é nem um pouco memorável. Menção desonrosa para o terrível título brasileiro bem anos 80, quando tudo por aqui era "da pesada" (dos "Recrutas da Pesada" ao "Um Tira da Pesada). E vá saber a que "tacada" o tradutor estava se referindo...


MACHETE KILLS (2013, EUA/Rússia. Dir: Robert Rodriguez)
O que se pode dizer de bom sobre "Machete Kills"é que o filme é bem melhor que o primeiro, e ainda corrige os muitos problemas daquela bobagem. Principalmente porque, agora, o Machete de Danny Trejo REALMENTE é o protagonista e personagem principal, e não um figurante no seu próprio filme (embora continue apagadíssimo, como personagem, protagonista e principalmente anti-herói). A sequência também tem menos bla-bla-bla e muito mais ação do que o original, narrando em ritmo acelerado sua trama sem pé nem cabeça que coloca Machete contra Voz, o milionário excêntrico interpretado por Mel Gibson, e que tem um plano mirabolante muito parecido com o do vilão de "007 Contra o Foguete da Morte". Mas os pontos positivos ficam por aí. O diretor Rodriguez demonstra, novamente, uma tremenda preguiça de filmar cenas de ação, ou de tentar fazer qualquer coisa diferente do que já mostrou em todos os seus outros filmes, numa autêntica reciclagem de ideias velhas, algumas até batidas. Chega ao cúmulo de repetir piadas que já não tinham graça ("Machete don't text" virou "Machete don't tweet"), cenas e situações (o destino do personagem de Antonio Banderas é igual ao de Robert DeNiro no original, a luta final entre Machete e Mel Gibson é igual à luta final do original, e a personagem de Michelle Rodriguez passa pelo mesmo apuro de Johnny Depp em "Era Uma Vez no México", quando perde o único olho que lhe resta), e até objetos de cena dos seus outros filmes, tipo a arma em formato de pinto que o diretor usa desde "A Balada do Pistoleiro". O resultado é bobo e descartável, embora garanta algumas boas risadas aqui e acolá. As raras boas ideias, como a bomba ligada ao coração de um narcotraficante, ficam perdidas numa trama episódica repleta de personagem soltos e participações especiais (de Antonio Banderas a Lady Gaga!) que tiram a atenção da "história". Lá pelas tantas, o espectador, perdido, começa a se perguntar o que aconteceu com Fulano, ou porque exatamente Beltrano está atrás de Machete. Se o vilão de Mel Gibson fica aquém do potencial (e tem poderes premonitórios que jamais se justificam!), pelo menos "Machete Kills" apresenta um capanga de respeito interpretado pelo chileno Marko Zaror, o astro dos filmes "Mirage Man" e "Mandrill". Zaror luta pra cacete e rouba a cena toda vez que aparece. Pena que Rodriguez não consiga dirigir uma luta com mais de 10 segundos, e se livre do coitado rapidinho! Também é uma pena que, um trailer falso e dois filmes depois, o diretor ainda não saiba o que fazer com um personagem legal e divertido como Machete. Simplesmente atirá-lo aleatoriamente nos filmes, mas sem dar-lhe cenas ou diálogos memoráveis, é um lamentável desperdício de potencial - tanto quanto o exército de gostosas que aparece em cena sem pagar sequer um mísero peitinho! O final deixa as portas escancaradas para uma terceira aventura, mas não estranhe se ela sair direto em DVD, já que "Machete Kills"foi um fiasco nas bilheterias mundiais.


A SOMBRA DO DESEJO (The Last Days of Frankie the Fly, 1996, EUA. Dir: Peter Markle)
"The Last Days of Frankie the Fly" (esqueça o título brasileiro, que não faz o menor sentido) tinha tudo para ser um filmaço: Dennis Hopper entregando uma atuação fantástica num momento de sua carreira em que estava relegado a vilão-clichê de produções direto para vídeo; Michael Madsen como um vilão arrepiante pouco tempo depois do antológico Mr. Blonde de "Cães de Aluguel", mais Daryl Hannah e Kiefer Shuterland defendendo seus papéis com vigor. O roteiro e o personagem-título também são ótimos: Hopper é Frankie "A Mosca", capanga do poderoso mafioso interpretado por Madsen, e que tem esse apelido por ser fraco e submisso aos mandos e desmandos do patrão e de seus homens de confiança. Mas as coisas mudam quando Frankie conhece uma atriz pornô decadente (Daryl Hannah), estrela dos filmes de sacanagem que o cineasta Shuterland é obrigado a fazer porque deve dinheiro ao mafioso. Infelizmente, o resultado fica aquém do potencial da trama e dos atores. Hopper está maravilhoso no papel principal, interpretando um bandido à moda antiga, com rígido código de honra e noções antiquadas do "negócio", agora dominado por jovens inconsequentes e arrogantes como Madsen. Nunca fica claro se Frankie começa a se rebelar contra seu empregador porque se apaixonou pela estrelinha pornô, ou se apenas quer protegê-la do mundo violento (e sem saída) em que ambos estão envolvidos. Só que a história e os personagens são mais ambiciosos do que a produção, comandada por um inexpressivo diretor de TV chamado Peter Markle. E justo quando parece que o filme vai começar, ele termina! Isso porque o roteiro passa um tempão preparando o espectador para a "volta por cima" de Frankie, quando o veterano mafioso resolve reagir aos maus tratos sofridos e se livrar dos que fizeram mal a ele e à sua protegida. Mas sua "vingança"é fraquinha e inconclusiva, considerando que um dos personagens mais filhos da puta da trama escapa ileso. "The Last Days..." até diverte, e com certeza vale a pena (re)descobrir pela sua história inusitada, que tenta fugir das armadilhas do "pós-Tarantino" (quando vários cineastas medíocres começaram a copiar os personagens e cacoetes de "Cães de Aluguel" e "Pulp Fiction"). E também por causa de Hopper, a estrela absoluta do show, naquele que provavelmente é o seu último grande desempenho no cinema, juntamente com o policial veterano de "Amor à Queima-Roupa". Em resumo: não é ruim, mas com certeza podia ser muito melhor. E um diretor mais competente e menos burocrático faria toda a diferença.


BÊNÇÃO MORTAL (Deadly Blessing, 1981, EUA. Dir: Wes Craven)
Sempre que alguém se refere a Wes Craven como "mestre do terror", eu sou um dos primeiros a comprar briga. Afinal, a exemplo do colega Tobe Hooper, ele tem muito mais filmes ruins e/ou meia-boca do que bons no currículo - é só lembrar que para cada "A Hora do Pesadelo" ou "Quadrilha de Sádicos" há um "A Maldição de Samantha" ou "Quadrilha de Sádicos 2". "Deadly Blessing", que nunca foi lançado em vídeo ou DVD no país (mas passou nos cinemas e na TV como"Bênção Mortal"), é um dos vários títulos frustrantes que Craven fez entre um clássico e outro. Marca um período de transição entre seus primeiros filmes de horror, mais chocantes e independentes ("Last House on the Left" e "Quadrilha de Sádicos"), e as produções "mainstream". Conta a história de misteriosas mortes ocorridas numa região rural dos Estados Unidos, bem perto de uma comunidade religiosa fictícia batizada "hitite" (que é muito parecida com os amish). Os fanáticos acreditam que o culpado pelas mortes é um Íncubo, demônio que ataca mulheres durante o sono para estuprá-las. A trama até tem potencial, mas é narrada de uma maneira tão chata e desinteressante que em nenhum momento o espectador se preocupa com qualquer um dos personagens ou com o destino que terão. E embora a trama indique elementos sobrenaturais (a existência do "Incubus"), a conclusão estilo "Scooby-Doo" revela que a culpa, na verdade, é de um assassino humano com motivo ridículo - o que lembra muito o desfecho dos famosos filmes giallo produzidos na Itália, em que o choque da revelação em si às vezes se sobrepunha à lógica. Só que aí Craven surge com uma daquelas suas tradicionais reviravoltas sobrenaturais sem pé nem cabeça, entregando um "último susto" que rivaliza, em estupidez, com a conclusão de "A Maldição de Samantha". Outras atrações de "Deadly Blessing"são as cenas de pesadelo tão frequentes no cinema do diretor (e isso pré-"A Hora do Pesadelo"!), e a participação de uma jovem Sharon Stone, pagando o pão que o Diabo amassou em cenas envolvendo aranhas. Mas apesar da presença de Ernest Borgnine (fazendo caras e bocas maquiavélicas como o líder da seita) e Michael Berryman, e de algumas boas cenas de horror aqui e acolá (principalmente um momento tenso envolvendo uma cobra na banheira), "Deadly Blessing" tem cara de telefilme, e como tal é frustrante e esquecível - quase como se fosse um imitador de Wes Craven na direção, e não o próprio. Não é tão ruim quanto "O Monstro do Pântano" e "Quadrilha de Sádicos 2", mas está bem longe dos melhores momentos do diretor.


RIDDICK 3 (Riddick, 2013, EUA/Reino Unido. Dir: David Twohy)
"Eclipse Mortal", de 2004, era uma aula de como fazer um eficiente filme B à la John Carpenter, inclusive apresentando um anti-herói - o brutamontes Riddick (Vin Diesel) - digno de figurar numa galeria "Carpenteriana" ao lado de Snake Plissken, ou do Napoleon Wilson de "Assalto à 13ª DP". Já a continuação, "As Crônicas de Riddick", era uma aula de como a interferência de um grande estúdio e um orçamento mais generoso podem destruir uma boa ideia e um bom personagem, alçando Riddick a super-herói numa trama cretina estilo "Star Wars dos pobres". Por isso, quando vi o pôster de "Riddick 3" no cinema, coloquei-o imediatamente na lista de"Filmes que jamais verei". Mas aí fui pesquisar e descobri que este terceiro filme, novamente escrito e dirigido por David Twohy, tentava resgatar o climão do original. E que Vin Diesel teria aceitado participar de "Velozes e Furiosos 3" apenas para recuperar os direitos sobre a franquia (então pertencentes à Universal), para que "Riddick 3" pudesse ser feito de forma independente, passando a borracha naquela atrocidade que foi "Crônicas". Assim, resolvi encarar e... que bela surpresa! Até estranhei por não ver ninguém comentando nada sobre o filme, provavelmente porque todo mundo achou que era algo no nível do segundo e passou longe. Uma pena, porque "Riddick 3"é divertidíssimo e volta às origens do ótimo "Eclipse Mortal", esquecendo quase que completamente a presepada que foi aquela segunda aventura. Aqui não tem frescura: o personagem-título volta a ser o bandido mais perigoso da Galáxia, conforme descobrirão os pobres mercenários que saem em seu encalço, em busca da grande recompensa pela cabeça de Riddick. Durante a caçada, em que o anti-herói sempre se apresenta como uma ameaça onipresente digna de filmes de horror, Twohy resgata a violência exagerada e as criaturas gosmentas do primeiro filme. A aventura tem três atos bem distintos: no primeiro, o protagonista enfrenta as agruras de um planeta desconhecido e hostil, sozinho e em silêncio durante a maior parte do tempo; no segundo, ele brinca de gato e rato com os mercenários que querem sua cabeça; finalmente, no terceiro e último ato, Riddick e seus algozes são obrigados a juntar forças (ao estilo "Assalto à 13ª DP" ou mesmo "Fantasmas de Marte", ambos do já citado John Carpenter) contra as monstruosas criaturas que habitam o planeta. Se "Eclipse Mortal" era legal porque ninguém sabia o que esperar dele,"Riddick 3"é legal porque ninguém espera absolutamente nada dele depois da catástrofe que foi o segundo. A surpresa positiva é inevitável. Até porque se trata de um autêntico filme B - feito com alguns vários milhões de dólares a mais, mas ainda assim com espírito "B" em tudo. Altamente recomendado, e é uma pena que poucos filmes como este cheguem ao circuito comercial.


PROJETO X - UMA FESTA FORA DE CONTROLE (Project X, 2012, EUA. Dir: Nima Nourizadeh)
Não acontece muita coisa em "Projeto X": como o subtítulo brasileiro já anuncia, esta é uma comédia sobre três jovens abobados (Thomas Mann, Oliver Cooper e Jonathan Daniel Brown) que promovem uma festa, mas o evento, divulgado pela internet, foge do controle e se transforma num inferno para toda a vizinhança. Até soa divertido no papel, e o trailer é ótimo ao vender o peixe. Mas o filme em si sempre parece bem aquém do seu potencial. É questionável, em primeiro lugar, a narrativa estilo "found footage", em que uma câmera "amadora" conta a história para o espectador através de flagrantes ou depoimentos dos personagens. Porque não há nada que justifique este formato narrativo, e algumas cenas que poderiam ser engraçadas perdem o potencial cômico justamente por causa da "câmera na mão". Este recurso deu aos realizadores a possibilidade de filmar "n" cenas da festa em si, mas não demora para os incontáveis takes de gatinhas dançando funk e rapazes enchendo a cara ficarem repetitivos - nada muito diferente de uma festa real sendo filmada com câmeras amadoras, já que o resultado final é sempre chato demais para ser assistido. E se "Projeto X"acerta em alguns momentos pontuais, quando dá uma banana para o politicamente correto (a cena envolvendo a descoberta de uma reserva escondida de ecstasy, por exemplo), a trama acaba se entregando ao moralismo de cueca tão típico das comédias norte-americanas modernas. Ocorre que, lá pelas tantas, o personagem principal cabação descobre que está perdidamente apaixonado pela menina que foi sua melhor amiga durante todos os anos de colégio - e em quem ele nunca chegou antes, por motivos óbvios. Só que isso acontece justamente quando o cabação está prestes a ter uma inesquecível noite de sexo selvagem com a maior gostosona do colégio. E aí o que faz o nosso herói? Oras, o que todo personagem bunda-mole de filme moralista faz: larga a gostosona semi-nua para correr atrás do seu grande amor (será que não podia pelo menos ter terminado a bimbada?). Outro grande defeito é que, embora os três personagens principais tenham lá seus momentos, o espectador nunca fica conhecendo o bastante para simpatizar com eles ou se preocupar com eles (em parte graças à armadilha que é o maldito formato "found footage")."Projeto X" até diverte no fim das contas, principalmente à medida que a noite avança e a festa vira um caos descontrolado; mas é uma pena que as cenas boas já estejam no trailer, e que os realizadores apelem para moralismos baratos numa história que é mais divertida enquanto tudo está "fora de controle". Mesmo assim, eu adoraria ver uma refilmagem com narrativa tradicional dessa mesma história.


ATIRADOR (Shooter, 2007, EUA. Dir: Antoine Fuqua)
Nas mãos certas,"Atirador" poderia ter sido um senhor filme de ação. Nas mãos do megalomaníaco Fuqua, o resultado é uma obra inchada e problemática, com pelo menos 40 minutos a mais do que o necessário. Mark Wahlberg interpreta o herói Bob Lee Swagger, o melhor sniper dos Estados Unidos, que acaba envolvido numa conspiração e é acusado de atirar num ilustre convidado estrangeiro. Aí ele precisa fugir para salvar a pele e limpar o nome, tendo toda a opinião pública e agentes do Governo (corruptos ou não) atrás dele. Claro que Swagger irá virar a mesa, usando seus dotes de atirador para vingar-se dos vilões que o colocaram naquela situação (e, oh Deus, mataram o seu cachorro de estimação!!!). O grande problema de"Atirador"é que Fuqua leva o material mais a sério do que deveria, e o que começa como um ótimo eficiente filme de ação logo desanda para thriller político sério (e chato), estilo Tom Clancy. Eu até esperava um emocionante jogo de gato e rato entre o sniper e seus perseguidores, mas até mesmo as situações envolvendo o uso de rifles de mira telescópica são desperdiçadas. A primeira parte é a melhor, quando vemos o herói fugindo de tudo e todos, tendo que improvisar até soro fisiológico à la McGyver, no que lembra um cruzamento contemporâneo entre "Rambo - Programado para Matar" e "O Fugitivo" (ou, como escreveu um usuário do IMDB, "A Identidade Bourne" sem câmera sacudindo). Aí o filme se perde em situações desnecessárias repletas de personagens desnecessários (a gostosona Rhona Mitra é desperdiçada como uma agente do FBI). E no ato final, depois que finalmente entrega os tiroteios e explosões que o espectador espera, e quando parece que a coisa vai voltar para os trilhos,"Atirador"de repente vira "O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei". Ou seja, empilha pelo menos uns quatro possíveis finais, só que continua seguindo em frente sem terminar, até finalmente chegar na conclusão absurda que poderia ter sido mostrada meia hora antes! Uma recauchutagem geral no roteiro ou uma remontagem mais curta poderiam ser benéficas ao filme, mas do jeito que está passa longe dos bons momentos do diretor (como o posterior "Invasão à Casa Branca"). No fim, a maior curiosidade é o fato de, num filme em que os vilões são interpretados por pesos-pesados como Danny Glover, Ned Beatty e Rade Serbedzija, o "peso-médio" Elias Koteas roubar a cena como um sádico e degenerado capanga, daquele tipo que o espectador fica o tempo inteiro torcendo para levar os merecidos pipocos.


I'LL SLEEP WHEN I'M DEAD (2003, Reino Unido/EUA. Dir: Mike Hodges)
O título original e sua adaptação brasileira ("Vingança Final") vendem gato por lebre: na verdade, esse thriller policial dirigido pelo veterano Hodges ("Carter, O Vingador", "A Profecia 2") é um daqueles sonolentos filmes sobre o nada, em que pouquíssima coisa acontece e apenas o trabalho dos atores faz o espectador aguentar até o (frustrante) final. Clive Owen interpreta Will, um ex-matador obrigado a voltar à ativa para vingar-se do bandidão (Malcolm McDowell) que enrabou (!!!) seu irmão mais novo (Jonathan Rhys Meyers), levando-o ao suicídio. Ao invés de contar essa história simples com o mínimo de tensão e tiroteios que o espectador espera do argumento, Hodges toca a narrativa em câmera lenta, preferindo enfocar a lenta investigação de Will sobre as causas da morte do irmão, e não a vingança em si. O problema é que o espectador já viu o que aconteceu e já sabe tudo aquilo que o protagonista vai descobrir aos poucos; logo, o resultado de suas investigações não traz nenhuma surpresa ou grande revelação. Demora uma hora só para que o protagonista resolva partir para a "vingança", mas nos 40 minutos seguintes não acontece nada de muito emocionante para valer o sacrifício de manter-se acordado (acredite ou não, Will gasta mais tempo comprando roupas novas e cortando o cabelo e a barba do que se vingando!). E isso que o filme passa um tempão construindo toda uma aura de fodão e implacável para o personagem de Owen, que, no final, nunca se concretiza, já que raramente o vemos em ação. A trama até lembra muito o já citado "Carter, O Vingador", que trazia Michael Caine em papel semelhante (o gângster fodão que investiga a morte misteriosa do irmão). A diferença é que "Carter", mesmo com o ritmo lento típico dos policiais da década de 1970, parece até filme do Michael Bay perto do clima arrastado desse aqui. Sobram, portanto, as ótimas atuações (principalmente de McDowell, adicionando mais um vilão asqueroso à sua galeria) e a direção precisa e elegante de Hodges, que entrega algumas belíssimas cenas, como a passagem de tempo marcada pelo pano do barbeiro que passa em frente à câmera e separa o Clive Owen barbudo e cabeludo do Clive Owen de cara limpa e cabelo curto. Mas fica o aviso de amigo: a narrativa lenta, silenciosa e minimalista, que poderia até ser transformada em peça de teatro, é para poucos, e um autêntico convite ao sono. Não que eu estivesse esperando um filme de ação e pancadaria com edição de videoclipe; o problema é que a trama promete uma coisa (Clive Owen tocando o terror) e simplesmente não cumpre. Ou seja: não apenas é lento, como não chega a lugar nenhum!


PIRANHA 3DD (2012, EUA. Dir: John Gulager)
Fui excomungado por diversos amigos fãs de horror ao dizer que acho "Piranha 3D", aquele remake dirigido pelo francês Alexandre Aja, bem fraco e nada divertido. Afinal, tirando as gostosas peladas e aquela cena maravilhosa do massacre no lago, o que sobra é um filme bem ruim que se acha muito engraçado, mas não é, e ainda desperdiça atores conhecidos do calibre de Elisabeth Shue e Christopher Lloyd. Minhas esperanças quanto à sequência, batizada "Piranha 3DD"(!!!), eram praticamente nulas. E não sei se foi a baixa expectativa que ajudou, mas, quem diria, o sem-noção John Gulager (da série "Banquete do Inferno") saiu-se bem melhor do que o pretensioso "rei do remake" Aja. Não se engane: o filme continua uma bobagem sem tamanho, e agora muda a ambientação de um lago durante o "spring breaks" para um parque aquático repleto de gostosas de biquíni e/ou peladas, onde as monstruosas piranhas assassinas vão fazer a festa. Bobagem por bobagem, as piadas de Gulager pelo menos funcionam, ao contrário daquelas do francês, que no máximo provocavam risos amarelos. Tudo bem que falta a "Piranha 3DD" uma cena apoteótica tipo aquele massacre que o Aja orquestrou no primeiro filme - e o "grande massacre" desse aqui é bem rápido e bem fraquinho. Em compensação, só a participação de David Hasselhoff como ele mesmo, tirando onda da fama como salva-vidas garanhão do seriado "S.O.S. Malibu", já é mais engraçada que "Piranha 3D" inteiro! Como se não bastasse, existem pelo menos dois ou três momentos onde percebe-se que Gulager é um completo débil-mental, como quando uma piranha entra na vagina de uma garota apenas para abocanhar o pinto do seu namorado mais tarde (numa versão hardcore do mito da "vagina dentata"), ou quando Gary Busey arranca a cabeça de uma piranha a dentadas enquanto é atacado pelos peixes assassinos. Enfim, esse era justamente o tipo de bobagem sem-noção que eu queria ver já no filme do Aja, mas ele estava muito ocupado fazendo suspensezinho de quinta."Piranha 3DD" também é o filme que essas bombas tipo "Sharknado" deveriam ser: percebe-se que diretor e roteirista ligaram o "Foda-se!" e se divertiram muito inventando as cenas mais idiotas e cabeludas possíveis. O resultado é de um mau gosto acachapante, rendendo uma perfeita Sessão da Tarde para debilóides!


POMPEYA (2010, Argentina. Dir: Tamae Garateguy)
Se tivesse um nome "de grife" na direção (tipo Guy Ritchie ou Tarantino),"Pompeya"hoje estaria bombando e sendo celebrado como algo genial e imperdível. Só que não é o caso, e portanto esta produção independente lá dos hermanos da Argentina teve distribuição limitadíssima, ficou relegada ao circuito de festivais e é praticamente desconhecida até dos cinéfilos mais "alternativos". Uma pena, porque se trata de uma daquelas divertidas maluquices que brincam o tempo inteiro com as expectativas do espectador, subvertendo os clichês, personagens e situações típicas dos filmes "de gângster" produzidos nos Estados Unidos. A trama começa com um diretor de cinema e um roteirista freelancer se encontrando para discutir ideias para uma nova produção - um policial sobre a guerra de quadrilhas em Buenos Aires. A partir das conversas entre eles, vai ganhando vida o "filme dentro do filme" (que é o roteiro escrito pela dupla), contando a história de um bandido, seu irmão surdo-mudo e a tradicional femme fatale que se envolve num triângulo amoroso com ambos. Quando explode a guerra entre as máfias russas e coreana, esses três personagens são pegos no meio do fogo cruzado. À medida que a criação do roteiro evolui, e a guerra de egos entre o diretor e seu roteirista fica mais acirrada,"Pompeya" reserva uma fantástica reviravolta, que é a verdadeira razão de ser do filme, e que obviamente eu não posso contar para não estragar a surpresa. O curioso é que, até então, a trama estava sendo conduzida de maneira bem morna, com piadas pontuais ao mundo do cinema (os nomes americanizados dos personagens do roteiro que está sendo construído, tipo Dylan, Timmy e Shadow) e toneladas de violência explícita e brutalidade. Quando a tal reviravolta surge, é como se estivéssemos vendo um novo filme, completamente diferente. Não é todo espectador que vai curtir a brincadeira, mas eu recomendo "Pompeya"para quem gosta dessas produções metalinguísticas que brincam com o poder do criador sobre suas criaturas, a exemplo de "Mais Estranho que a Ficção" e "Adaptação". E embora o filme tenha alguns problemas de ritmo, a diretora argentina Tamae Garateguy já pode figurar em qualquer lista de "novos nomes para acompanhar de perto" - principalmente porque seu novo projeto é um filme de horror chamado "Mujer Lobo"!!!


HITCHCOCK (2012, EUA. Dir: Sacha Gervasi)
Apesar do título, este filme não faz um apanhado da carreira do brilhante cineasta inglês que ficou imortalizado como "Mestre do Suspense", preferindo um recorte mais específico, que acompanha o velho Alfred durante as filmagens de uma das suas obras mais polêmicas e revolucionárias, "Psicose", de 1960. Vemos o diretor (interpretado por Anthony Hopkins) enfrentando todo tipo de dificuldade para levar às telas uma história que era considerada de mau gosto à época, já que era inspirada nos crimes do serial killer da vida real Ed Gein. O estúdio achava que o filme queimaria a imagem de Hitchcock e não quis produzir, então o inglês resolveu fazê-lo de maneira praticamente independente - mas já temendo o fracasso e o fim da sua carreira. Há muitas cenas boas enquanto "Hitchcock"acompanha o caótico processo de filmagem de "Psicose", como as tentativas do diretor de tentar manter o final da história surpreendente para o espectador (ele mandou sua equipe comprar o maior número possível de exemplares do livro de Robert Bloch que inspirou sua obra!). E as aparições de Ed Gein como uma espécie de "consciência" do cineasta inglês (ou seu "lado negro") representam um toque genial do roteiro. Mas, infelizmente, o foco do filme logo sai da realização de "Psicose" e recai sobre uma ridícula e dispensável intriga romântica, mostrando a relação de amor e ódio de "Alfredão" por suas estrelas ao mesmo tempo em que sua esposa, Alma (Helen Mirren), está prestes a viver uma relação extraconjugal com um amigo escritor. Não deixa de ser um desperdício de bom material, já que"Hitchcock"é baseado no excelente livro "Alfred Hitchcock e os Bastidores de Psicose", de Stephen Rebello, e ali há uma quantidade imensa de histórias engraçadas e interessantíssimas que poderiam render um filme muito melhor. Embora algumas anedotas do livro até tenham sido aproveitadas (tipo a inacreditável reação negativa da censura pelo diretor insistir em mostrar um vaso sanitário numa cena, coisa que nunca acontecia nos filmes da época!), acredito que"Hitchcock" seria muito mais interessante caso se focasse na realização de "Psicose" e no impacto que esta obra-prima provocou naqueles tempos pudicos. Não seria muito mais divertido ver o diretor esfaqueando melancias e melões para obter o som das facadas para a famosa cena do chuveiro, do que as chatíssimas e desinteressantes intrigas românticas entre Hitchcock e sua esposa que o filme preferiu enfocar? No fim, o que poderia ser uma ode apaixonada ao cinema e seus realizadores, como foi o "Ed Wood" de Tim Burton, acabou virando um romance bem dispensável. Com uma ambientação curiosa (os bastidores de "Psicose") e protagonistas insólitos, mas ainda assim um romance bem dispensável. E ao mesmo tempo em que é incômodo ver Anthony Hopkins com maquiagem de "O Professor Aloprado" no papel-título, ao invés de algum ator desconhecido, os intérpretes escolhidos para dar vida a Anthony Perkins, Janet Leigh e Vera Miles (respectivamente James D'Arcy, Scarlett Johansson e Jessica Biel) estão ótimos e realmente lembram esses atores. Mas minha recomendação é aproveitar o tempo que seria gasto com esse filme equivocado lendo o livro de Rebello. Ou revendo "Psicose".

Sem que Sylvester Stallone, George Pan Cosmatos ou qualquer dos envolvidos na produção soubesse, a popularidade de "Stallone Cobra" deu origem a pelo menos duas adaptações não-oficiais em quadrinhos nos anos 1980. Uma delas saiu na Hungria; a outra - adivinhem? - no Brasil. Rebatizada "Agente Cobra - Liberado para Matar" para o plágio não ficar tão descarado, a versão brasileira foi publicada em 1987 pela Press Editorial, uma pequena editora paulistana, e saiu em número único sem maior repercussão.

Enquanto a trama do gibi húngaro seguia fielmente o roteiro do filme de Stallone, a adaptação brasileira preferiu contar uma história original, embora fosse possível perceber que o argumento era mais ou menos o mesmo (o policial violento Cobra, ou "Agente Cobra", precisa salvar uma testemunha de perigosos perseguidores). Inventaram até um arquiinimigo tosco para o herói, um brutamontes chamado "Cara de Ferro", que usa máscara metálica e coletes que o tornam quase indestrutível.

Já o "Agente Cobra" em questão é o personagem de Stallone cuspido e escarrado, com direito aos óculos escuros e fósforo no canto da boca, apesar de uma inexplicável estrela branca desenhada na camiseta, como se fosse um uniforme de super-herói!

A revista tem 36 páginas, mas apenas 28 com a HQ, que você pode ler abaixo (clique nas imagens para ampliá-las). Com distribuição limitada, ela teria desaparecido para sempre no limbo se não fosse pela internet e pelo fato de um artista conhecido ter se encarregado da presepada, o pernambucano Watson Portela, que assina com o pseudônimo "Barroso".

Além da estupidez da história no geral (e nem dava para fazer muita coisa em 28 páginas que são pura ação), o que mais chama a atenção em "Agente Cobra" é a nudez, com direito a desenhos bastante gráficos e detalhados da anatomia feminina (repare no corpo da vítima de estupro das primeiras páginas), e até uma rápida cena de sexo entre lésbicas encaixada de qualquer jeito na narrativa! Pois este era um subterfúgio que os quadrinhos independentes brasileiros dos anos 1980 precisavam adotar para vender. Lembro de uma HQ de ninjas em que os vilões trepavam enquanto conversavam com seus comparsas!

Infelizmente, o Agente Cobra de Portela (ou "Barroso") não usa a frase "Você é um cocô!" em nenhum momento...

PS: Meus sinceros agradecimentos a quem escaneou essa preciosidade e jogou na rede.

Todo fã de horror e de filmes de zumbis que se preze já acendeu pelo menos uma vela em honra ao cineasta galego Amando de Ossorio (1918-2001), o responsável por uma das mais belas sagas sobre mortos-vivos da história do cinema, a quadrilogia dos “Templários Zumbis Sem Olhos” – formada por “La Noche del Terror Ciego” (1971), “El Ataque de los Muertos Sin Ojos” (1973), “El Buque Maldito” (1974) e “La Noche de las Gaviotas” (1975).

Sangue e desmembramentos à parte, estes quatro filmes são festejados principalmente pelo clima de horror que Ossorio conseguiu criar. E quem já viu algum deles dificilmente vai esquecer de imagens como os Cavaleiros Templários ressuscitados, em forma esquelética, cavalgando à noite sobre igualmente decrépitos cavalos-zumbis!

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Mais do que acender velas em agradecimento ao mestre, um jovem cineasta espanhol chamado Vick Campbell (nome de batismo: Victor Gomez) resolveu render-lhe uma homenagem fílmica. Juntou os amigos, alguns trocados, pegou uma câmera de vídeo e pôs-se a filmar uma produção independente de baixíssimo orçamento chamada EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS. A capinha já revela a inspiração nos clássicos filmes dos “Mortos Cegos”, além de um algo mais: uma loirona completamente pelada entre os zumbis decrépitos!

Infelizmente, a homenagem de Campbell é tão ruim que o pobre Ossorio deve ter se revirado no túmulo por desgosto – e a sorte dos envolvidos é que ele não tinha um cavalo-zumbi e uma espada à disposição para voltar ao mundo dos vivos e castigar todos os envolvidos em EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS pela heresia cometida em nome da sua obra!

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Antes de mais nada, é bom esclarecer que este filme é uma produção praticamente amadora, o que torna a proposta do diretor Campbell ainda mais ambiciosa. Afinal, quando você pega uma câmera de vídeo e chama os amigos para fazer um filminho caseiro sem nenhum dinheiro, a fórmula a seguir geralmente é a do trash assumido, tipo Troma.

Não é o caso aqui: apesar de Campbell e sua trupe usaram a câmera mais vagabunda à disposição (provavelmente uma câmera de vídeo digital mini-DV, já que a imagem nem é de alta resolução), e da produção ser visivelmente de fundo de quintal, todo mundo está levando a coisa estritamente a sério, quando avacalhar e partir para a comédia seria a única saída viável diante da pobreza mais do que evidente.

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EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS começa em Buitrago, na zona rural de Madri, em pleno século 14 (no ano de 1311, para ser mais exato). Digamos que os realizadores foram muito corajosos em tentar fazer uma cena "de época" sem nenhum dinheiro. Ou malucos. O resultado: figurinos completamente deslocados, que já provocam as primeiras risadas involuntárias do longa (lembre-se: o filme se leva a sério!).

No momento em que o espectador bate o olho nos “Cavaleiros Templários” de Campbell, por exemplo, é impossível não cair na gargalhada: são apenas quatro sujeitos usando manta branca com capuz (e o capuz foi cortado de qualquer jeito). A coisa não ajuda quando entram em cena o que deveriam ser os típicos habitantes de uma aldeia espanhola do século 14, e eles usam figurinos, cortes de cabelo e até chapéus e bolsas de couro (!!!) tipo esses das imagens abaixo:

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Nesse prólogo, os Templários ficam zanzando para lá e para cá numa sequência de takes que dura muito mais do que deveria. Um mesmo take do quarteto passando por uma ponte foi repetido nada menos de TRÊS vezes. Malandrinho, o editor até tentou inverter um dos takes para enganar, obviamente sem conseguir (veja as imagens abaixo).

O roteiro não se preocupa em explicar muita coisa, mas todo fã dos “Mortos Cegos” de Ossorio sabe que os Cavaleiros Templários são assassinos malvados e cruéis, então o diretor não perde muito tempo e já os apresenta agindo dessa mesma forma: eles passam os primeiros 15 ou 20 minutos invadindo vilas, sequestrando belas garotas que acusam de bruxaria e então matando-as para beber seu sangue e conquistar a “vida eterna”, ou coisa que o valha.

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Poderia sair algo de interessante disso, mas o diretor estica as cenas no limite do suportável. Não bastasse os takes repetidos dos Templários caminhando, nesses 15 ou 20 minutos o pobre espectador é submetido a três sessões de chicoteamento (intermináveis), algumas mutilações porcamente realizadas (tipo a espadada que decepa o braço de um sujeito, mas sequer corta a sua camisa!) e uns peitinhos de fora aqui e ali que dão um mínimo de ânimo para seguir em frente.

Finalmente, os homens da aldeia se enfurecem com a matança de suas mulheres e resolvem dar o troco, invadindo a abadia (ou coisa que o valha) dos Templários e matando os quatro sujeitos, com relativa facilidade até. Considerando que são apenas quatro brocoiós, e apenas um deles tem uma espada, só consigo ficar imaginando porque a galera não teve essa reação muito antes... De qualquer jeito, aquele que parece ser o chefão dos sinistros cavaleiros anuncia que eles voltarão para se vingar - óbvio!

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Nesse momento, a narrativa dá um salto no tempo e pula para a mesma Buitrago no ano de 1974 (embora nada, mas NADA MESMO, justifique a escolha da época, considerando que os realizadores sequer se deram ao trabalho de utilizar roupas ou objetos de cena desse período!). Somos apresentados a Jorge (Albert Gammond), um rapaz que procura sua irmã, Miranda (Eloise McNought), que inexplicavelmente está perdida na floresta.

Através de flashbacks que vão se prolongando ao longo do filme, descobrimos que Miranda era abusada sexualmente pelo pai e fugiu de casa para vagar sem rumo por aquela região. Onde, por coincidência, ficam as ruínas da tal abadia dos Templários executados séculos antes. Não demora para os cadáveres putrefatos dos cavaleiros se levantarem das tumbas para o anunciado massacre – mas sem cavalos-zumbis dos filmes de Amando de Ossorio, porque o orçamento aqui não permitia!

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Justiça seja feita: as cenas com os cadavéricos Templários ressuscitando e vagando pela floresta à noite são até bem produzidas e filmadas, e é principalmente nesses momentos que se percebe um carinho muito grande de todos os realizadores pelos velhos filmes de Ossorio. Dos figurinos às máscaras imóveis no rosto dos zumbis (imitando caveiras sem olhos e sem expressão), os “Mortos Cegos” de Campbell parecem ter saído diretamente de algum capítulo da saga lá dos anos 1970.

Infelizmente, não passa muito disso: o diretor não é capaz de criar uma única cena de horror, suspense ou tensão pelo resto do filme. Depois de ressuscitados, seus Mortos Cegos não fazem nada além de vagar aleatoriamente e matar quem encontram pela frente, incluindo uma série de personagens descartáveis e mal-delineados, o que aproxima EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS mais de um slasher movie tipo “Sexta-feira 13” do que de um filme de zumbis.

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A fórmula é repetida à exaustão: os zumbis entram no quadro, matam alguém e saem do quadro rumo à próxima morte. E nenhum personagem é suficientemente trabalhado para que o espectador sequer se importe com o que acontece a eles.

No caso, além dos irmãos Jorge e Miranda, caem de pára-quedas na trama uns abobados que estão promovendo um bailinho ao ar livre na mesma floresta (!!!), mera desculpa para incontáveis takes dos sujeitos dançando e flertando - um deles é interpretado por Dani Moreno, nome popular do underground espanhol, responsável por, entre outras atrocidades, o curta "El Ataque del Pene Mutante del Espacio"!!!

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Todos acabarão encontrando a morte mais cedo ou mais tarde nas mãos ossudas dos Templários ou na lâmina da espada de um deles, com direito a membros e cabeças decepadas, tripas arrancadas e até um sujeito partido ao meio. Os “efeitos especiais” são todos naquele nível caseiro e improvisado, o que torna as cenas de morte mais divertidas do que nauseantes ou assustadoras.

O que não faltam são motivos para odiar EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS: além da razão mais óbvia (ser uma homenagem RUIM a uma série de ótimos filmes), tudo é tão pobre e mal-feito, e tão estupidamente levado a sério, que somente espectadores muito pacientes passarão da metade. Cenários e figurinos são de quinta categoria, as interpretações são péssimas, e a narrativa vai do nada ao lugar nenhum, acabando de repente, como se tivessem esquecido de gravar uma conclusão.

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O filme nunca explica, por exemplo, o que exatamente despertou os Templários depois de seis séculos. Eu até achei que iam usar o clichê mais do que batido do "666 anos depois", mas alguém errou na matemática, já que de 1311 para 1974 passaram "apenas" 663 anos!

A sinopse oficial até tenta explicar que Miranda, a garota abusada pelo pai nos anos 1970, é uma espécie de reencarnação de uma das pobres moças que foram sacrificadas pelos cavaleiros lá no século 14 (a atriz que as interpreta é a mesma). Só que tal fato é simplesmente imperceptível, e nunca mencionado em momento algum do filme. Sem contar que toda a trama secundária do pai estuprador não serve para absolutamente nada além de encher linguiça.

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Vejam bem, eu não tenho nada contra produções baratas, amadoras e/ou de fundo de quintal. Inclusive sou um grande incentivador desse tipo de cinema independente (além de realizador). O trabalho de Campbell e sua turma lembra muito o que faziam os diretores alemães Olaf Ittenbach e Andreas Schnaas faziam na década de 90, aqueles filmes baratos gravados em vídeo e encharcados de sangue tipo "Lua Sangrenta" e "Violent Shit".

Ou, para fazer uma comparação "nacional", lembra muito os primeiros filmes do catarinense Petter Baiestorf, como “O Monstro Legume do Espaço” e “Eles Comem Sua Carne”, quando ele ainda tinha pouquíssimos recursos e filmava com câmeras VHS. O problema é que todos esses filmes (do Ittenbach, do Schnaas, do Baiestorf) são dos anos 1990, enquanto EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS foi feito em pleno século 21, quando já existem inúmeros recursos tecnológicos baratos para se fazer um filme melhorzinho!

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Não sei qual foi a câmera usada aqui, mas a resolução de vídeo é tão baixa que as cenas noturnas ou mais escuras ficaram bastante comprometidas, ainda mais pela falta de uma iluminação decente. Já vi vídeos gravados com celular que são menos ruins. Além disso, em várias cenas deixaram vazar o irritante barulho do vento batendo no microfone da câmera - e como estas cenas não têm diálogos, não consigo entender porque não substituíram a barulheira por música!

Como fã, incentivador e realizador de filmes independentes, eu relevaria facilmente esses probleminhas técnicos. O problema é que o desleixo é exceção, e não regra. Quando uma das meninas chicoteadas na cena inicial "morre", por exemplo, o ferimento em látex que ela tinha no pescoço desgruda e quase cai (fica "solto", conforme você pode ver na 1ª imagem abaixo). Como é que ninguém viu essa bagaça e pediu um segundo take? Mais adiante, enquanto os Templários estripam uma moça, o braço "humano" do ator que interpreta um dos zumbis (o da esquerda na 2ª imagem abaixo) escapa de debaixo da manga do figurino, mas a cena continua mesmo assim. Será que o operador de câmera é cego?

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Para completar, a montagem é uma aberração. Campbell tinha material para uns trinta minutos de filme, no máximo, mas esticou as cenas até não poder mais, conseguindo fechar a insuportável duração de 71 minutos.

O problema é que o saco do espectador dificilmente resistirá aos incontáveis takes de andanças dos personagens de um lado para o outro, às intermináveis sessões de chicotadas, e a momentos como o do sujeito que é arrastado pelos Templários por praticamente um quilômetro, sem cortes, até uma parte da floresta onde ele é finalmente colocado no chão e esquartejado (e nem tente entender porque os zumbis não o mataram no próprio local em que ele foi agarrado, ao invés de arrastá-lo para longe!). Enfim, só consegui aguentar até o final usando o Fast Foward, e mesmo assim senti como se tivesse perdido um tempo considerável da minha vida.

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Descobri que Campbell e sua trupe começaram a fazer EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS em 2007, depois de uma série de curtas de baixo orçamento naquele esquema caseiro. Inicialmente, o projeto se chamava "El Monte de las Ánimas / Tombs of the Blind Dead V" ("A Montanha dos Espíritos"), e foi filmado em vários blocos.

Mais para o final do ano, os realizadores concluíram uma montagem de 57 minutos, rebatizada "Graveyard of the Blind Dead" ("O Cemitério dos Mortos Cegos"), para exibição no Festival de Sitges. A participação da equipe incluiu figurantes vestidos como Templários circulando pelo renomado festival de cinema. Foi somente depois de Sitges que os realizadores resolveram transformar o trabalho num longa, filmando mais 15 minutos e transformando-o em EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS, que foi finalmente concluído e lançado em DVD em 2009. Isso talvez explique o ritmo titubeante e enrolado da obra.

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Quer dizer, explica mas não justifica! Por causa disso tudo, o resultado é uma tragédia de proporções épicas, o tipo de filme que faz a humanidade acreditar que cineastas como Uwe Boll e Ed Wood nem são tão ruins assim. E a desculpa da produção independente e sem dinheiro não cola, já que aqui mesmo, no Brasil, temos exemplos bem mais eficientes de cineastas que fazem muito com pouco ou nada, como Rodrigo Aragão e seus zumbis de “Mangue Negro” e “Mar Negro” – produções baratas e independentes que, comparadas a essa de Vick Campbell, parecem até blockbusters de Steven Spielberg!

No fim, EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS pode (e ênfase muito grande no “pode”) valer como curiosidade mórbida. Fãs dos “Mortos Cegos” de Amando de Ossorio têm aqui uma rara oportunidade de ver os cadavéricos Templários atacando o mundo dos vivos pela quinta vez. Já realizadores independentes podem tirar valiosas lições para melhorar os seus filmes, principalmente em questões como ritmo narrativo.

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Confesso que estava muito curioso para ver EL RETORNO DE LOS TEMPLARIOS pelo fato de ser uma homenagem declarada e escancarada aos mortos-vivos de Amando de Ossorio, e me decepcionei. Mas a maior decepção MESMO foi com essa capinha pornográfica enganosa, que leva o espectador a acreditar que verá um sexploitation como o Diabo gosta. Na verdade, a quantidade de nudez no filme fica bem abaixo do esperado, e isso mesmo com a câmera pegando alguns ângulos mais “desinibidos” das atrizes.

Vale destacar que a loira peladona da capinha do DVD nem mesmo aparece no filme! A Fulana estrela uma vinheta que vem como extra no disco, e que aparentemente foi gravada apenas para fins de divulgação, ou quem sabe para angariar recursos na pré-produção. Vale ressaltar que o videozinho nem parece ter sido feito pela mesma equipe, já que a qualidade da imagem (e todo o resto também) é muito melhor.

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Por isso, não deixa de ser irônico que a melhor coisa da bagaça toda seja essa vinhetinha de 1min40s com a loirona desinibida e um Cavaleiro Templário com uma motosserra (!!!), E ESSA CENA NEM ESTÁ NO FILME! Se Victor Gomez/Vick Campbell tivesse mantido esse mesmo (baixo) nível na produção toda, com mais sangue e mulher pelada aqui e acolá, talvez sua homenagem aos Mortos Cegos ficasse pelo menos ficado divertida. E assistível.

Porque do jeito que está agora, só mesmo os Zumbis Sem Olhos de Amando de Ossorio para conseguir encarar. Afinal, eles não têm como enxergar a quantidade de erros e nem o amadorismo geral da produção!

PS: Há uma tal de "Anarka de Ossorio" no elenco e na equipe técnica, e por um instante fiquei com medo de que fosse uma parente do pobre Amando sujando o nome da família. Felizmente, não é o caso: trata-se apenas do pseudônimo "espirituoso" usado pela atriz e produtora Anarka Bidaut. Ufa!

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El Retorno de los Templarios (2007, Espanha)
Direção: Vick Campbell (aka Victor Gomez)
Elenco: Eloise McNought, Albert Gammond,
Dani Moreno, Anarka de Ossorio e
um monte de desconhecidos.

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(Esta postagem é dedicada ao Leo Dias, um dos maiores fãs de H.P. Lovecraft que eu conheço - se não o maior!)

Qual adaptação para o cinema de um conto de H.P. Lovecraft reúne os atores Jeffrey Combs, Barbara Crampton e David Gale, num roteiro de Dennis Paoli produzido pela Empire Pictures, de Charles Band? Bem, até 2012 só havia uma resposta possível: o clássico “Reanimator” (1985), de Stuart Gordon. Mas de 2012 em diante, a pergunta também pode ser respondida citando-se THE EVIL CLERGYMAN, um curta-metragem que reúne a mesma equipe talentosa de “Reanimator” já citada, apenas substituindo Stuart Gordon pelo produtor Charles Band na cadeira de diretor.

THE EVIL CLERGYMAN foi filmado entre 1987 e 88, mas só foi oficialmente finalizado e lançado 25 anos depois (!!!). Mais precisamente em 11 de agosto de 2012, quando o curta teve uma concorridíssima premiére na mostra Chicago Flashback Weekend, sendo depois lançado em DVD, em outubro do mesmo ano.

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Para entender porque esta adaptação esquecida de H.P. Lovecraft passou 25 anos no limbo, é preciso fazer uma pequena viagem no tempo, de volta à década de 1980. Naqueles tempos, a Empire Pictures, de Charles Band, era garantia de produções divertidas feitas com pouco dinheiro, como o já citado “Reanimator”, e também “Do Além” (1986, também de Stuart Gordon), “Puppet Master / Bonecos da Morte” (1989, de David Schmoeller) e "Duro de Prender" (1988, de Renny Harlin), entre outros.

Embora sempre tenha investido uma merreca em seus filmes, a Empire enfrentava sérias dificuldades financeiras lá por 1987, quando THE EVIL CLERGYMAN começou a ser filmado. Assim, o produtor Band surgiu com um projeto arriscado: diminuir futuros longas que produziria para segmentos de meia hora, que iriam compor uma coletânea em longa-metragem chamada“Pulse Pounders”!

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Anúncio da época destaca fim das filmagens de "Pulse Pounders"

Eu desconheço se realmente era mais barato filmar três curtas de meia hora, cada um com sua história e elenco independentes, do que três longas inteiros. Seja como for, o próprio Charles Band dirigiu os três segmentos sem relação entre si, sendo que apenas um deles era original (a adaptação de Lovecraft sobre a qual estamos falando), e os outros dois eram continuações de filmes populares da Empire, “Trancers” (que Band dirigiu em 1985) e “The Dungeonmaster” (1984, de vários diretores).

Dessa forma, “Pulse Pounders” era composto por THE EVIL CLERGYMAN, “Trancers 2 – The Return of Jack Deth” (com Tim Thomerson, Helen Hunt e Grace Zabriskie) e “The Dungeonmaster 2 - A Sorcerer's Nightmare” (com Jeffrey Byron e Richard Moll). A ideia em si é bem curiosa, e você pode pensar nesta coletânea como uma espécie de “Grindhouse”, aquele projeto fracassado de Quentin Tarantino e Robert Rodriguez, só que 20 anos antes (chupa, Tarantino! chupa, Rodriguez!).

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Assim seria o pôster da coletânea "Pulse Pounders"

Enfim, os três filminhos de meia hora foram completados e Band já começava a divulgar sua antologia com o título “Pulse Pounders Volume 1”, comprovando que havia a intenção de produzir mais coletâneas no futuro, quem sabe até trazendo mini-sequências de meia hora para outros belos filmes da Empire Pictures, como “Metalstorm” ou “Patrulheiros do Espaço”, e quem sabe mais adaptações curtinhas de contos de Lovecraft.

Mas embora “Pulse Pounders” tenha sido anunciado e divulgado, inclusive com trailer em fitas da produtora (veja abaixo), a crise financeira da Empire Pictures decretou seu sepultamento: não demorou para a pequena empresa de Band ir à falência, e a prometida antologia acabou nunca sendo lançada. Pior: os negativos em 35mm foram extraviados no inferno que se desencadeia sempre que uma companhia fecha, e o projeto parecia perdido para sempre.


Trailer do nunca lançado "Pulse Pounders"


Pouco tempo depois, Charles Band abriu uma nova empresa, a Full Moon, e retomou diversos projetos antigos, com ainda menos grana e direto para o mercado de vídeo. Com “Pulse Pounders” perdido para sempre (ou ao menos assim se imaginava), o produtor resolveu dirigir até um novo “Trancers 2” em 1991, descartando completamente aquele curta filmado alguns anos antes.

Já “The Dungeonmaster 2” ficou perdido no limbo, enquanto outras adaptações baratas de contos de H.P. Lovecraft (como “Aprisionados pelo Medo”, de 1994, e “O Castelo Maldito”, de 1995) ajudaram a manter THE EVIL CLERGYMAN devidamente esquecido durante décadas.

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Mas esta é uma história com final feliz, apesar de demorado: em 2011, Charles Band anunciou aos quatro ventos que encontrou uma velha fita VHS contendo a “workprint” (cópia de trabalho) de “Pulse Pounders”. Os negativos originais continuam perdidos, mas já era alguma coisa, considerando que muita gente aguardava para ver pelo menos um dos segmentos da coletânea há vinte e poucos anos!

Como bom espertalhão e comerciante que é, Band resolveu desmembrar “Pulse Pounders” e lançar os três curtas separadamente, um por ano, fazendo o possível e o impossível para dar-lhes um mínimo de restauração – já que, lembre-se, estamos falando de imagens capturadas de uma velha fita de vídeo, e sem música nem efeitos sonoros!

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THE EVIL CLERGYMAN foi o primeiro episódio a ser lançado, considerando o grande culto que existe às velhas adaptações de Lovecraft produzidas pela Empire. E para este ano (2013) estava programada a estréia do “Trancers 2” bastardo, agora rebatizado “Trancers 1.5 – City of Lost Angels” por causa da existência da outra Parte 2! Já “The Dungeonmaster 2” deve ficar para 2014, a não ser que Band invente alguma das suas...

Bem, encerrada a aula de história, vamos ao que interessa: o que se pode dizer do mítico THE EVIL CLERGYMAN? Valeu a pena esperar 25 anos, ou seria melhor que o curta tivesse ficado perdido para sempre?

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A resposta é simples: é óbvio que o que temos aqui não chega nem aos pés das adaptações mais clássicas de Lovecraft produzidas por Charles Band, como “Reanimator” e “Do Além”. Até porque o velho Charles não é nenhum Stuart Gordon. Mesmo assim, o resultado é bem acima da média. Talvez pela nostalgia de rever quase todo o time de “Reanimator” junto num outro filme inspirado em Lovecraft. Ou talvez pelo fato de as produções assinadas por Band hoje serem tão ruins que até os trabalhos menos expressivos da antiga Empire parecem bem melhores em comparação.

O conto homônimo que inspirou THE EVIL CLERGYMAN foi publicado no Brasil como“O Clérigo Diabólico” numa velha antologia de contos do autor chamada “A Tumba e Outras Histórias", lançada pela Francisco Alves Editora em 1991 (e republicado em 2007 no formato pocket pela  L&PM). Trata-se de um conto bem curto (apenas cinco páginas) que Lovecraft escreveu em 1933, mas só foi publicado em 1939, depois da morte do autor (que foi em 1937), na revista “Weird Talers”. (Você pode ler o conto completo, em inglês, clicando aqui)

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A história original é até bem inexpressiva, narrada por um homem que visita uma velha casa e é atraído até o sótão. Ali, encontra um clérigo queimando velhos livros de magia negra na lareira. Outros religiosos, incluindo um bispo, aparecem para confrontar o “clérigo diabólico”, mas ele os confronta usando um objeto mágico que estava sobre a mesa.

Quando o próprio narrador é ameaçado pela diabólica figura, ele resolve utilizar o mesmo objeto para se livrar do clérigo. Mas, ao tentar fugir da casa, se olha num espelho e percebe que está diferente: o reflexo não é dele, mas sim do “clérigo diabólico”. E o conto termina assim:“Pelo resto da minha vida, exteriormente, eu seria aquele homem!”.

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Nada muito inspirador, certo? Assim, não é de se espantar que o roteirista Dennis Paoli, o mesmo que escreveu diversas adaptações de Lovecraft para Stuart Gordon dirigir (de “Reanimator” a “Dagon”), tenha aproveitado bem pouco do conto ao escrever THE EVIL CLERGYMAN. E, mais uma vez, sexo e perversão são a mola-mestra da trama, a exemplo do que já havia acontecido em “Reanimator” e “Do Além”.

O narrador anônimo (e homem) do conto aqui foi transformado numa bela mulher, Said Brady, que obviamente é interpretada pela delícia da época Barbara Crampton (aquela mesma que quase foi estuprada por uma cabeça decepada em “Reanimator”). Ela vai visitar um velho castelo onde viveu e morreu um clérigo chamado Jonathan (Jeffrey Combs, o Dr. Herbert West de "Reanimator"), que não era exatamente um exemplo de pureza - lembre-se: ele é o “clérigo diabólico” do título!

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Ocorre que Said e Jonathan foram amantes no passado. Ao saber da morte misteriosa do religioso, ocorrida há alguns dias, a garota resolve visitar o quarto onde ele vivia e onde ambos dividiram momentos de intimidade. Porém, no momento em que a moça fica sozinha no local, Jonathan reaparece. E não se trata de uma assombração, conforme ela irá confirmar por conta própria. No momento seguinte, os dois estão na cama “tirando o atraso”.

Pelos próximos vinte e poucos minutos, aparecem ainda um misterioso bispo (interpretado pelo excelente David Warner), que acusa Jonathan de assassinato, e uma bizarra criatura meio homem, meio rato (“interpretada” por David Gale, o Dr. Hill de “Reanimator”, aqui debaixo de carregada maquiagem). É quando Said começa a desconfiar das boas intenções do clérigo por quem se apaixonou...

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Como se trata de um curta-metragem de 27 minutos, não dá para falar muito mais sobre THE EVIL CLERGYMAN para não estragar a surpresa. Mas, para quem já leu o conto original de Lovecraft, é bom salientar que quase tudo que se vê na tela saiu da mente do roteirista Paoli, e a única coisa que realmente lembra a história em que o filme se inspira é a conclusão - mesmo que (infelizmente) sem usar o recurso do reflexo no espelho.

A exemplo do que já havia feito em seus roteiros de “Reanimator” e “Do Além”, Dennis Paoli escapa da armadilha de tentar adaptar Lovecraft com muita fidelidade, descartando a narrativa em primeira pessoa e buscando uma abordagem que mistura horror e erotismo – aqui, como acontecia em “Reanimator”, a pobre Barbara também leva umas lambidas em lugar estratégico do vilão interpretado por David Gale!

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Aliás, é impossível não lembrar de “Reanimator” quando THE EVIL CLERGYMAN parece uma reunião da equipe técnica daquele filme. Se não existisse um intervalo de tempo de pelo menos dois anos entre as duas produções, eu poderia até jurar que o curta tinha sido filmado nos intervalos das gravações de “Reanimator”. Além de dividir o mesmo elenco e o mesmo roteirista, o curta traz ainda o diretor de fotografia Mac Ahlberg e o técnico de efeitos especiais John Carl Buechler, que também trabalharam naquele filme.

É uma pena que Stuart Gordon também não tenha voltado para assinar a direção e deixar o clima ainda próximo do universo dos seus “Reanimator” e “Do Além”. Band até que se sai bem ao tentar emular esse clima, mas é impossível não ficar imaginando como o curta ficaria caso Gordon estivesse no comando, ainda mais conhecendo sua paixão pelos contos e pelo universo de Lovecraft.

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Curiosamente, apesar do reencontro da turma de “Reanimator”, para mim a melhor coisa do curta é a pequena participação do lendário David Warner, que deve ter gravado todas as suas cenas em algumas poucas horas. Seu personagem, o bispo misterioso, aparece para reforçar as verdadeiras intenções de Jonathan, e justificar o porquê de ele ser o “clérigo diabólico” do título original.

O restante da turma manda muito bem, e, além dos quatro já citados, completa o reduzido elenco a veterana Una Brandon-Jones, no papel da proprietária do castelo. Eu só lamento o pouco tempo em cena de David Gale e seu homem-rato, já que, depois de anos lendo sobre o curta em minhas pesquisas sobre a antologia “Pulse Pounders”, eu sempre imaginei que o monstrinho teria um papel muito maior na trama. (O curta é dedicado ao ator, que faleceu em 1991.)

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Irmão de Charles, o compositor Richard Band (que, vejam só, também é o responsável pela antológica trilha de “Reanimator”, aquela chupada do tema de “Psicose”!) foi convidado para compor a música de THE EVIL CLERGYMAN mais de vinte anos depois do fim das filmagens. A trilha tem seu charme e lembra os melhores momentos do músico; se eu não soubesse que é coisa nova, juraria que ele tinha composto a música lá em 1987!

Claro que, como o curta foi resgatado de uma cópia em VHS de quase 30 anos atrás, a qualidade da imagem não é das melhores, um problema que é ainda mais perceptível nas cenas escuras. Infelizmente, não há muito o que fazer nesse departamento, a não ser que os negativos originais reapareçam e permitam fazer uma nova montagem – quem sabe até com cenas que não foram aproveitadas na “workprint” daquela época.

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Considerando o nível das podreiras que Charles Band produz e dirige hoje, repletas de CGI de quinta categoria e roteiros tosquíssimos sobre bongs e biscoitos assassinos, THE EVIL CLERGYMAN promove um autêntico retorno ao passado, a uma época não tão distante em que mesmo os filmes de horror mais baratos tentavam buscar um mínimo de sofisticação, e dependiam bastante do talento e criatividade do técnico em efeitos especiais, e não do computador.

É interessante constatar que os efeitos da criatura “homem-rato” não foram produzidos em stop-motion, como era comum naquela época nas produções da Empire. Pelo contrário, o pobre David Gale vestiu uma roupa de rato em tamanho natural e foi obrigado a zanzar de quatro por um cenário repleto de estruturas aumentadas, para dar a ideia de que o monstrinho é bem menor do que realmente era.

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Isso exigiu bastante criatividade do time dos efeitos especiais, principalmente para a cena em que o homem-rato aparece dando umas lambidas na bunda da mocinha. Mesmo com pouco dinheiro em caixa, Band dispensou truques fotográficos ou montagens porcas e mandou construir uma réplica da bunda de Barbara Crampton em dimensões gigantes (!!!) só para poder filmar essa cena.

No bate-papo realizado na premiére do filme, em agosto do ano passado, a atriz inclusive lembrou com surpresa da réplica gigante dessa bela parte da sua anatomia, e questionou Band sobre o destino do “bundão”; segundo o diretor-produtor, alguém da equipe deve ter guardado de recordação, sabe-se lá com que propósito!

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No mesmo bate-papo, Band lembrou que a equipe dos efeitos tentou fazer uma complicada trucagem em que o rosto de Jeffrey Combs se transformava no de Barbara Crampton; porém, após alguns testes, eles abandonaram a ideia e preferiram deixar a “transição” para a imaginação do espectador. Confesso que fiquei curioso para ver como resolveram algo tão complicado tecnicamente com os efeitos práticos da época...

Por falar em DVD, THE EVIL CLERGYMAN está disponível no formato desde outubro de 2012, mas o material é a típica picaretagem do mercenário Charles Band: ao invés de esperar para finalmente lançar o tão sonhado“Pulse Pounders” num único DVD, o maquiavélico produtor optou por lançar discos separados com cada um dos curtas. Assim, você é obrigado a desembolsar o preço de um longa para ter o DVD com um curta e alguns extras mixurucas que foram gravados hoje. Bem, é justamente nesses casos que o download de filmes funciona como uma espécie de justiça poética, já que Band definitivamente não merece o dinheiro que está cobrando pelo material.

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Picaretagens à parte, THE EVIL CLERGYMAN é muito divertido e vale principalmente pelo fator nostalgia, já que todo fã das produções da extinta Empire, e de suas clássicas adaptações de Lovecraft, passou os últimos anos sonhando com esse curta-metragem. Vê-lo hoje, nesses tristes tempos em que o gênero parece dominado por refilmagens e overdose de CGI, é como fazer uma viagem no tempo até uma época que transpirava simplicidade e criatividade.

E, confesso, dá a maior saudade daquelas adaptações classe B de Lovecraft que a turma da Empire/Full Moon adorava produzir. Porque se hoje boa parte dos cinéfilos sonha com a tão comentada adaptação de “Nas Montanhas da Loucura” por Guillermo Del Toro, a única coisa que realmente me deixaria animado seria um retorno do velho Stuart Gordon aos textos de Lovecraft.

Mas como isso parece um sonho cada vez mais distante, o que nos resta são esses 27 minutos de THE EVIL CLERGYMAN para quebrar o galho...


Cena de THE EVIL CLERGYMAN


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The Evil Clergyman (1987-88, EUA)
Direção: Charles Band
Elenco: Barbara Crampton, Jeffrey Combs,
David Gale, David Warner e Una Brandon-Jones.

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Uma reclamação comum sobre o cinema fantástico brasileiro é o fato de geralmente "importarmos" os monstros estrangeiros, como vampiros e mortos-vivos estilo George Romero, ao invés de usar elementos do nosso riquíssimo folclore. Na verdade não é bem assim: já tivemos vários filmes mostrando caras, criaturas e superstições tipicamente nacionais, e alguns diretores contemporâneos estão investindo ainda mais nisso - tipo Dennison Ramalho (em seu curta "Amor Só de Mãe") e Rodrigo Aragão (com seus zumbis do mangue e chupa-cabras).

Mas, claro, ainda há muita coisa a se explorar nesse universo. Imagine, por exemplo, uma história sobre escravos negros que foram torturados e executados pelos seus feitores no século 19, em pleno Brasil Colônia sob o jugo português, e que nos dias atuais voltam à vida como zumbis para se vingar dos colonizadores. A ressurreição acontece através de um ritual de macumba realizado por um pai-de-santo num terreiro. E aí, não daria um belo filme de horror tupiniquim?

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Bem, a má notícia é que este filme já existe. Foi feito no Brasil no começo dos anos 1990, misturando atores brasileiros e estrangeiros. A trama envolve justamente escravos-zumbis, uma velha fazenda do interior carioca e macumba. Só que ele não foi dirigido por um brasileiro, e sim por um italiano bem oportunista e cara-de-pau chamado Umberto Lenzi. Sim, aquele mesmo Lenzi que deu início ao ciclo italiano de produções sobre canibalismo, fez um punhado de policiais e filmes giallo bem legais, e foi o responsável por clássicos do cine-podreira como "Nightmare City" e "Cannibal Ferox".

Pois este mesmo Lenzi foi o visionário que enxergou potencial numa história sobre escravos negros zumbis, e não um cineasta, bem, brasileiro! BLACK DEMONS ("Demônios Negros") é o nome do filme em questão, rodado com uma pequena equipe meio italiana, meio brasileira (parece até sabor de pizza...) no interior do Rio de Janeiro, em 1991, quando a produção cinematográfica italiana já estava muito, mas muito mal das pernas. (Na mesma época, Lenzi também filmou no Brasil a tosquíssima aventura "Caçada ao Escorpião Dourado", aquela com Cecil Thiré como vilão!)

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BLACK DEMONS sempre foi aquele filme que todo mundo conhece, mas pouca gente viu. Apesar da trama, do cenário e de parte da equipe serem brasileiros, ele nunca chegou a ganhar exibição em nossos cinemas, nem mesmo distribuição em vídeo, DVD, blu-ray ou qualquer formato doméstico existente - embora exista uma velha lenda urbana de que cópias piratas em vídeo tenham circulado pelas locadoras brasileiras lá pela década de 90.

Logo, sem distribução oficial, o filme de zumbis brasileiros de Umberto Lenzi só foi visto pelos próprios brasileiros graças à antiga emissora CNT/Gazeta, que reprisou-o nada mais nada menos de três vezes (!!!) entre outubro de 1993 e setembro de 1994, rebatizando-o com o nome genérico "Noite Maldita". As críticas mal-humoradas do velho Guia de TV do jornal Folha de São Paulo são uma atração por si só, conforme você pode ver abaixo. Anos depois, em 2002, a obra finalmente ganhou um DVD, lançado nos Estados Unidos pela Shriek Show, e assim ficou mais acessível, graças à internet e aos downloads.

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Folha detonando o filme de Lenzi 3 vezes!

O caso é que embora a história seja bem interessante - ainda mais para nós, brasileiros, para quem o drama da escravidão ainda é relativamente recente -, o filme é bem ruinzinho e desperdiça qualquer potencial em situações forçadas, clichês e sustos fáceis.

Perdido em algum lugar entre a produção paupérrima e o elenco sem química, com quem confessadamente odiou trabalhar, Lenzi não pôde exercer plenamente o seu talento para cenas de horror e tensão, e o resultado é um "bom filme ruim", daqueles que você vê sem qualquer pretensão de levar a sério, e que pode até render umas boas gargalhadas caso você assista bêbado ou com os amigos - ou ambos. Porque sempre é engraçado ver atores americanos às voltas com ameaças brasileiras, como a macumba.

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Lenzi veio filmar aqui no Brasil com as bênçãos do também italiano Michele Massimo Tarantini (creditado como "diretor de arte" de BLACK DEMONS, sob seu tradicional pseudônimo "Michael E. Lemick"). Tarantini chegou ao Brasil nos anos 80 e rodou alguns engraçadíssimos filmes de baixo orçamento por aqui, mesclando mão-de-obra italiana e brasileira. Os mais populares são "Fêmeas em Fuga" e o meu favorito, "Perdidos no Vale dos Dinossauros".

No final desta década, já estabelecido no Rio, o esperto Tarantini começou a fazer o meio-de-campo para que outros colegas italianos viessem filmar no país. No caso de Lenzi, ele também foi um dos responsáveis pelo já citado "Caça ao Escorpião Dourado". Há um milhão de histórias e fofocas sobre as aventuras brasileiras de Tarantini, mas isso renderia um post à parte, então vamos parar por aqui.

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BLACK DEMONS já começa sem perder tempo, com os créditos rolando sobre as tradicionais imagens de cartão-postal do Rio de Janeiro, e apresentando o nosso trio de "heróis" estrangeiros: Jessica (a norte-americana Sonia Curtis), Kevin (o inglês Keith Van Hoven) e Dick (o norte-americano Joe Balogh, também dirigido por Lenzi em "A Passageira", e que é um verdadeiro clone do Kevin Bacon!). Os dois primeiros são namorados, e o último é o irmão mimado da moça.

Os gringos estão fazendo turismo de jipe pelo Brasil, mas Dick está aborrecido porque queria ver de perto os rituais de candomblé. Após uma discussão com a irmã e seu namorado, ele sai andando a esmo pelas ruas cariocas até chegar numa vila pobre, onde um grupo de crianças realiza um estranho ritual com tambores e máscaras (!!!).

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Atraído pela molecada, Dick encontra um pai-de-santo cego que tem um misterioso amuleto no pescoço. Aí uma mulher (a atriz brasileira Cléa Simões) surge do nada e sai puxando papo com o turista, mas o diálogo não sai em português, e sim num inglês de sotaque carregadíssimo - como se todo mundo no país falasse inglês normalmente no dia-a-dia.

Dick enche o saco da mulher para ver de perto um trabalho de macumba. O diálogo em inglês é hilariante: Balogh, que é americano, fala o idioma fluentemente, mas a atriz que contracena com ele escorrega feio no sotaque. Além disso, palavras em português aparecem nitidamente em meio aos diálogos - e, neste caso, carregadas do sotaque de Balogh.

Ao pedir à mulher se o cego é um pai-de-santo, por exemplo, o ator pronuncia algo como:"He is a péi-de-sénto, right?". Já sua interlocutora enche as frases em inglês com termos brasileiros, e é muito engraçado ouvir sentenças tipo"Let Iemanjá guide you" ou"I will guide you to the terreiro". No fim, só para resumir a história, a mulher concorda em levar Dick até um terreiro escondido na floresta (!!!), para ver de perto um ritual que, supostamente, teria o poder de despertar os mortos!

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Sem avisar os amigos, o jovem sai do hotel no meio da noite para ver de perto o tal ritual, que tem de tudo um pouco: o pai-de-santo cego sentado num canto, um mané que fica dançando e esfregando uma tocha bem na frente da câmera, uns mulatos batucando seus tambores, aquela cantoria típica ("Aêêê aêêêêê aêêêê") e uma mulata seminua saracoteando como se fosse abre-alas de alguma escola de samba.

Lenzi aparentemente não esqueceu dos seus tempos de assassino de animais em filmes como "Cannibal Ferox", por isso emenda uma cena real em que uma galinha preta tem a cabeça decepada, só para a dançarina em êxtase beber o sangue que escorre do pescoço da ave. Dick, fascinado, usa um gravador de áudio para registrar todo o ritual. No fim, ganha o amuleto usado pelo pai-de-santo, bebe algo alucinógeno e sai de órbita. Acorda, no dia seguinte, em seu quarto de hotel.

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É hora de seguir viagem, e no momento seguinte o trio de turistas aparece a bordo de seu jipe cruzando uma selva (talvez para alimentar aquela ideia equivocada de que, no Brasil, é tudo Floresta Amazônica). O veículo pifa no meio do caminho, mas eles dão sorte de encontrar um casal de brasileiros, José Barros (o ator brasileiro Felipe Murray, usando o pseudônimo "Phillip Murray") e Sonia (a atriz brasileira Juliana Teixeira).

Novamente, apesar de os brasileiros não saberem que o trio em apuros é formado por estrangeiros, eles já aparecem falando inglês carregado de sotaque! José oferece ajuda aos gringos, dizendo que vive em uma casa de fazenda a alguns quilômetros dali, e convida os desafortunados turistas para passarem a noite lá.

Na chegada, eles conhecem a empregada Maria (a atriz brasileira Maria Alves). Como toda doméstica-macumbeira-supersticiosa-cinematográfica brasileira, a moça logo fareja algo demoníaco em um dos visitantes - Dick, que aparentemente foi possuído por algum orixá (!!!) durante a cerimônia no terreiro.

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A noite cai e o grupo se retira para seus quartos. Mas enquanto todos dormem - e Maria realiza uns rituais de purificação em seu quarto -, o possuído Dick sai da casa e caminha até um cemitério próximo à fazenda, onde existem algumas covas do século 19, e até um crânio com um dos olhos intactos, sabe-se lá como!

No meio deste cemitério, o gringo liga o gravador e deixa tocar aquela ladainha que gravou no dia da cerimônia de candomblé. Bingo: o encantamento dos macumbeiros incendeia as tumbas e traz os mortos enterrados no cemitério de volta à vida!

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No caso, os tais mortos são seis escravos negros que foram enterrados ainda com os grilhões e correntes amarrados aos pulsos e tornozelos (até parece que o feitor não iria tirá-los na hora de sepultar...). E não sei como é que os cadáveres resistiram à decomposição estando sepultados em covas rasas durante um século, mas seus corpos continuam inteirinhos, apresentando apenas sinais de podridão no rosto (claro, senão não seriam zumbis!).

Para completar a balbúrdia, cada um dos mortos-vivos levanta do seu caixão portando uma arma branca: um segura um gancho, outro um machado, outro uma foice, outro um facão, e por aí vai. Quer dizer, os sujeitos foram sepultados com as armas, já pensando numa possível vingança futura! Coisa de louco! Parece até o que faziam com os faraós do Antigo Egito!

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A primeira vítima dos "demônio negros"é a pobre Sonia. Ela escuta um barulho vindo do lado de fora da fazenda e vai checar - vestindo apenas blusa e calcinha. É então cercada pelos zumbis, e tem um dos olhos extirpado com o auxílio do gancho metálico - em uma cena bem sangrenta. Mas a reação da atriz é bem engraçada: com o olho para fora da órbita, o que deve doer pra cacete, ela apenas fica repetindo "Please, no!", ao invés de berrar alucinadamente. E claro que ninguém na fazenda escuta os gritos da pobre moça...

A partir de então, a história é aquela de sempre, mas contada de forma bem ruinzinha. Apesar de serem mortos-vivos, os tais "demônios negros" ficam sumindo entre uma morte e outra, ao invés de já atacar todo mundo de uma vez - preferem pegar cada uma das vítimas de surpresa, tipo o Jason, mas não tem lógica alguma, pois onde seis mortos-vivos se esconderiam nos intervalos entre os assassinatos?

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Aí José surge com a tradicional "história do passado para justificar a trama", explicando que, no século 19, quando a fazenda pertencia a um rico proprietário de terras, seis escravos que tentaram fugir passaram por longas torturas antes de ser enforcados, mas juraram voltar para se vingar. Por isso, o sexteto agora voltou para acertar o placar, e precisam matar seis pessoas para fechar a fatura e poder descansar em paz.

Não que a coisa tenha muita lógica, considerando que eles deviam ter voltado para se vingar do fazendeiro que os matou 100 anos atrás, e não dos pobres inocentes que nada têm a ver com a história - incluindo três gringos que só estão ali por pura casualidade. Aliás, é até engraçado que a tal vingança anunciada um século antes só tenha acontecido um século depois porque um bocó ianque fez a burrada de gravar um ritual de macumba e reproduzi-lo no tal cemitério; caso contrário, a vingança dos seis escravos ficaria só na ameaça!

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BLACK DEMONSé uma salada de frutas que mistura elementos de vários outros filmes. Por exemplo: assim como os mortos cegos da famosa série espanhola de Amando de Ossorio, os escravos aqui também foram cegados pelo feitor (acima), mas isso acaba não fazendo nenhuma diferença no fim das contas!

O título em inglês nunca se justifica (por que chamar os vilões de demônios se eles são, claramente, zumbis?), e nem sei se a obra pode ser classificada rigorosamente como "filme de zumbis", já que é mais uma trama de vingança, com mortos-vivos que têm alvos bem específicos e não matam qualquer ser vivo em busca de comida, como acontece nos filmes de George A. Romero e suas imitações italianas.

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Curiosamente, na Itália a obra foi lançada com outro título,"Demoni 3" (como você deve ter visto no pôster no início da postagem), tentando forçar uma conexão inexistente entre uma história independente como esta e os bem-sucedidos "Demons" 1 e 2, dirigidos por Lamberto Bava em 1985 e 1986. (Veja abaixo os créditos da versão internacional e da versão italiana, para comprovar a picaretagem.)

Numa entrevista, o próprio Lenzi queixou-se do uso do título: "'Demoni 3'? Isso é uma estupidez, um absurdo! Eu nunca vi os filmes de Bava! A produção acabou se chamando 'Demoni 3' por causa do produtor [Giuseppe Gargiulo], que queria faturar em cima do título. Mas a história, claramente, não tem nada a ver com os filmes de Lamberto Bava".

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Créditos iniciais da versão internacional

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Créditos iniciais da versão italiana

No fim, o melhor é encarar BLACK DEMONS como comédia involuntária. O filme tem vários momentos de rolar de rir, como o fato de as vítimas serem mortas mesmo quando é virtualmente impossível ser apanhado pelos zumbis. Nunca vou conseguir entender como é que as criaturas sempre conseguem atacar suas vítimas de surpresa se as correntes em seus tornozelos arrastam pelo chão, fazendo o maior barulhão. Também queria saber qual deles carrega a máquina de gelo-seco, considerando que cada aparição dos mortos-vivos é precedida por uma névoa espessa!

Já o roteiro de Olga Pehar coloca alguns diálogos engraçadíssimos na boca dos seus personagens. Tipo quando Sonia solta um comentário depreciativo ao nosso pobre país: "Não se assustem se a água tiver cara de chá. Aqui é o Brasil, não Nova York!". Ou o duplo sentido involuntário dos diálogos envolvendo o pobre Dick, já que "dick", nos EUA, também é uma famosa gíria para o órgão sexual masculino. Nesse sentido, é engraçadíssimo quando Kevin larga um "I can't find Dick". Bem, se ele não consegue achar, eu é que não vou ajudá-lo a procurar...

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Porém o mais engraçado do filme é o fato de o inglês ter se transformado na língua oficial do Brasil - e como dói ouvir a maioria dos atores brasileiros falando um inglês quase ininteligível de tanto sotaque. Por exemplo, o diálogo da empregada Maria,"There isn't enough sheets for them all", sai como "Dérisen enáf shits for demól". Mais adiante, "Now I see it all clearly" vira "Nau ai si étol clirli". Por fim, "What's happened to her?" soa como"Uats répen tchu ãr?".

E mais: que o casal brasileiro José e Sonia fale em inglês com os turistas gringos, tudo bem; mas qual a real necessidade de eles se comunicarem com a empregada da fazenda também em inglês? Pois é...

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Apesar de ter sido filmado aqui, e de contar uma história tipicamente brasileira, BLACK DEMONS ironicamente é uma produção bem obscura em nosso país. E não só porque não teve distribuição "oficial", mas também porque faltam fontes sobre a produção (não saiu nada nos jornais e revistas de cinema da época, apesar de um filme de zumbis rodado no Brasil parecer um assuto bem curioso, pelo menos para mim!).

Para tentar saber mais sobre os bastidores, entrei em contato com uma das atrizes principais do elenco brasileiro, a baiana radicada no Rio de Janeiro Juliana Teixeira (é ela na foto abaixo), que há anos abandonou a carreira de vítima em filmes baratos de horror e hoje pode ser vista principalmente em peças de teatro - embora também já tenha feito algumas novelas da Globo.

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Pelo telefone, a atriz primeiro estranhou minha curiosidade por uma produção obscura como BLACK DEMONS, mas logo começou a falar animadamente sobre o assunto. Ela lembrou que, na época, participou de várias produções estrangeiras filmadas no Brasil por causa do seu inglês fluente. Além do trashão do Lenzi, ela pode ser vista em obras tão díspares quanto o norte-americano "O Quinto Macaco" (1990, de Éric Rochat) e os italianos "Lambada" (1990, de Giandomenico Curi) e "Butterfly" (uma minissérie de TV filmada no Rio em 1995, e dirigida por Tonino Cervi).

"Me indicaram para um teste, por saber falar inglês, e passei. Mas confesso que, no começo, fiquei com medo por ser um filme de terror e de zumbis, eu realmente não sabia o que esperar. E só fui ver o filme pronto recentemente, faz uns cinco anos. As pessoas falavam muito dele, e soube que passou na televisão, mas eu nunca tinha visto", lembrou ela.

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Sobre o filme, Juliana é sincera:"Achei muito tosco, é uma produção bem classe C". As filmagens, contou ela, aconteceram em Vassouras, uma pequena cidade a 120 km e cerca de duas horas do Rio de Janeiro."Passamos três semanas ali. Tinha uma equipe reduzida formada por alguns italianos e alguns brasileiros. Lembro que o maquiador [de efeitos] era muito bom e veio da Itália".

Ela provavelmente está se referindo ao responsável por arrancar seu olho em cena (abaixo), o italiano Franco Cosagni, que trabalhou em vários filmes de Dario Argento - entre eles, "Terror na Ópera" e "Síndrome Mortal". Mas a equipe de efeitos especiais também contou com um mestre brasileiro na área, Sérgio Farjala, creditado como "Serge Farjala" aqui.

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Juliana continua lembrando dos bastidores de BLACK DEMONS: "O chefe de produção se chamava Massimo, e era muito legal [ela se refere a Michele Massimo Tarantini]. Mas os outros produtores italianos eram bem grosseiros, bem difíceis de lidar. A equipe brasileira era a que fazia o trabalho pesado, e os figurantes eram todos daqui, inclusive os zumbis. Foi um trabalho árduo, mas achei bem divertido. E o elenco era ótimo, eu já conhecia o Felipe Murray e adorei a Sonia e os dois atores, o inglês [Keith] e o americano [Joe]".

A atriz brasileira só não guarda boas recordações do diretor Lenzi:"Era um homem difícil, que não falava muito com a gente e não dava muita abertura para que falássemos com ele. O pessoal do elenco brasileiro nunca sugeria nada por causa disso. Era muito mal-humorado, sempre bem seco. E eu fiquei magoada porque ele falou muito mal de nós numa entrevista, como se a culpa pelo resultado do filme fosse apenas dos atores brasileiros".

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A entrevista em questão está nos extras do DVD importado de BLACK DEMONS, em que Lenzi declarou o seguinte: "Eu preciso admitir que o filme não ficou muito bom. Não fiquei completamente satisfeito com ele, porque o elenco era bem fraco. Somente o protagonista, Joe Balogh, era um ótimo ator, mas neste filme ele não atuou tão bem porque nós filmamos no Brasil, em condições muito difíceis, nessa fazenda onde só era possível chegar de jipe, onde não havia estradas e passávamos o dia muito longe da cidade. E os outros atores do elenco são todos do Brasil, mas eram atores medíocres, somente a atriz que interpretava a feiticeira era talentosa".

(Eu, particularmente, não acho que os atores brasileiros se saíram tão mal, mas a careta com direito a língua de fora que Felipe Murray faz ao tomar uma punhalada do pescoço é muito engraçada!)

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Mas, justiça seja feita, o diretor também sentou as patas na pobre atriz norte-americana Sonia Curtis (foto abaixo) nessa mesma entrevista:"Ela não foi a atriz escolhida para o papel. Eu tinha escolhido uma outra atriz, muito bonita, de Los Angeles. Só que, no último minuto, ela desistiu do projeto, e quando o avião dos Estados Unidos chegou e fui recepcionar minha atriz, encontrei uma outra diferente da que eu esperava!".

Na opinião do italiano, Sonia era uma péssima atriz, e ele só não foi atrás de uma substituta porque não poderia parar a produção por vários dias. "Além de ser uma péssima atriz, ainda era baixinha e nem um pouco atraente", detonou Lenzi, que foi bastante deselegante (como diria a Sandra Annenberg) ao citar um fato ocorrido nos bastidores, quando a americana tomou leite recém-ordenhado na fazenda e ficou doente; nos dias posteriores, segundo o diretor, todos começaram a pensar que ela estava com Aids!!!

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O segundo principal ator brasileiro do longa, Felipe Murray, confirmou o clima difícil no set, em contato feito pelo Facebook depois de ler esta resenha:"Não considero que fiz um bom trabalho, mas acho que grande parte foi devido ao péssimo clima com o diretor. Ficamos travados, sem liberdade e criatividade. Aquela minha cara de nojo com a língua para fora - hilária! - ao levar a facada no pescoço reflete o que estávamos sentindo", justificou.

Segundo ele, a coisa foi complicada desde o início:"Fiz o teste e fui informado que eu tinha passado. O cachê já estava combinado desde antes do teste, mas no dia de assinar o contrato chamaram o outro ator que tinha ficado para a final comigo e colocaram na sala de espera comigo. Na hora que entrei, ficaram me pressionando a aceitar um cachê menor ou iriam fechar com o outro ator! Isso é de um profundo mau caráter, e foi tramoia do Massimo, que era o produtor e se radicou por aqui produzindo filmes de terceira para produções estrangeiras, utilizando esses artifícios para economizar recursos. Acabei fechando porque estava em um intervalo entre um trabalho e uma peça de teatro, e teria este mês disponível, mas ficou aquele clima de tapeação no ar".

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Meu xará - esse rapaz prestes a ser pego por trás na foto acima - também confirmou que não foi fácil trabalhar com o diretor: "O que a Juliana falou foi o que aconteceu, mas ela foi gentil ou não quis falar que o Lenzi era mesmo muito grosso! Ele só vivia aos gritos com a sua equipe e com os brasileiros, não dava espaço nenhum para nada, e o clima no set ficou insustentável. Todos se sentiam presos para criar e foi todo mundo se fechando. A Sonia sofreu muito com ele, e eu também. Você já deve ter reparado, pela maneira que ele fala dela ou de várias outras coisas, que ele é muito deselegante".

A situação chegou num ponto tão insustentável que, segundo Murray, os atores estrangeiros acabaram tomando as dores da equipe brasileira:"O Joe e o Keith eram bem legais, e teve um dia em que o Lenzi estava atacado, berrando um monte de grosserias, e os dois foram para o Massimo e falaram que não iriam filmar mais nada enquanto o Lenzi não falasse direito comigo e com os outros brasileiros. Foi a gota d'água para mais um dos ataques fenomenais e aos gritos do Lenzi. O clima era péssimo, mas deu a hora do almoço, os ânimos foram se acalmando, o Massimo conversou com ele e ele ficou mais calmo e tentou explicar de uma maneira mais entendível o que queria. Mas era muito perturbado".

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Pelo menos a pancadaria no set serviu para fortalecer a amizade entre os brasileiros e os atores gringos. Segundo Felipe, "na mesma noite, depois da 'greve' dos atores americanos, como o dia seguinte era folga, fomos os cinco que falavam inglês bem para passear na cidade. Fomos em alguns bares, jogamos sinuca e acabamos voltando para o hotel todos bêbados. Foi a maior farra, e uma válvula de escape para tanta pressão. Acabei ficando muito amigo do Joe e trocamos correspondências por alguns anos (naquela época não havia internet). Ele morava em Los Angeles, e quando fui morar lá, em 1998, procurei por ele, mas sem sucesso".

A exemplo de Juliana, Felipe Murray também abandonou a vida de vítima em filmes classe C: ele parou de atuar em 1995, passou por diferentes empregos no Brasil e no exterior, e há alguns anos preside uma ONG de voluntariado internacional, que recebe estrangeiros para trabalhar como voluntários em projetos sociais no Brasil. Para finalizar, ele defendeu o seu inglês: "Apesar de você ter criticado a fluência dos brasileiros, vale citar que eu e Juliana falamos bem. Eu aprendi quando criança em casa - meu pai era inglês, meu sobrenome é Murray -, e fiquei totalmente fluente quando fui estudar teatro em NYC com a Juliana, de 1986 a 87".

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O mais curioso é que o mesmo Lenzi que disse não gostar do filme nos extras do DVD importado mais tarde disse que considera BLACK DEMONS a sua obra-prima (!!!), numa outra entrevista diferente publicada nas páginas do livro "Spaghetti Nightmares", de Luca Palmerini e Gaetano Mistretta, em atitude digna de transtorno bipolar!

Pior: nas páginas do mesmo livro, o diretor alega que o ritual de macumba visto no filme é "totalmente real", numa daquelas declarações fantasiosas típicas do nosso querido José Mojica Marins. "Na verdade, esta parte da filmagem foi muito perigosa e coisas esquisitas começaram a acontecer no set", declarou o fanfarrão. (Obrigado pela transcrição desse impagável trecho do livro, Carlos Primati!)

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Mágoas, fofocas, críticas e abobrinhas à parte, é preciso destacar que o filme pelo menos captura com fidelidade, em vários momentos, alguns costumes e tradições bem brasileiras. Quando Maria se desespera com vultos fantasmagóricos cercando a fazenda, por exemplo, ela se agarra numa imagem de Nossa Senhora Aparecida, a padroeira do Brasil - um detalhe simples, porém eficaz para o espectador brasileiro.

A mesma Maria, mais adiante, faz a popular "figa" com os dedos para tentar afastar os maus espíritos, em outro costume bem tradicional da nossa gente. E as cenas filmadas na favela, no início do filme, mostram um Brasil pobre sem maquiagem, com atores que, segundo Lenzi, foram recrutados na rua mesmo, poucas horas antes das gravações!

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O resultado, entretanto, está anos-luz distante do satisfatório, e só pode ser visto ou como comédia involuntária, ou pela nobre tentativa de se fazer um horror com história "100% nacional" - ainda que uma equipe italiana tenha vindo até o Brasil para fazer algo que deveria ter sido uma iniciativa dos nossos realizadores!

Na mesma entrevista dos extras do DVD importado, Lenzi dá uma de suas tradicionais viajadas ao tentar buscar uma "mensagem sociológica" em BLACK DEMONS: "É o conflito entre a chamada civilização dos homens brancos e os nativos, ou os negros que foram capturados na África e trazidos para a América como escravos", delira o cineasta.

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Segundo ele, "esse elemento não está claramente inserido no roteiro, mas serve como background. Os escravos fugiram e foram mortos, torturados, pelos donos da fazenda, que eram brancos de origem portuguesa. E então essa vingança, que acontece um ou dois séculos depois, pode ser considerada a vingança do terceiro mundo contra o mundo civilizado dos brancos".

Opa, mas peraí: dos três mortos pelos zumbis, apenas um é legítimo representante do "Primeiro Mundo", os outros são todos pobres cidadãos terceiro-mundistas! Pior: os "opressores" norte-americanos escapam praticamente ilesos do conflito!

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Por tudo isso, eu continuo esperando um bom filme de horror envolvendo todas essas superstições brasileiras, seja a macumba, sejam os zumbis de escravos negros voltando para dar o troco nos descendentes dos seus feitores.

Mas não só meia dúzia, como vimos aqui. Afinal, se o cadáver de todo escravo africano que foi explorado, torturado e morto por aqui no Brasil Colônia voltasse à vida, teríamos um apocalipse zumbi tupiniquim digno do "Guerra Mundial Z"!

Quanto a BLACK DEMONS... Bem, esse obviamente não conta, já que de terror tem muito pouco e hoje só serve para tirar onda. O tema certamente merece um outro olhar, quem sabe de um brasileiro desta vez. E de preferência com atores locais falando em português, para ninguém provocar risadas involuntárias ao derrapar no inglês!


Trailer de BLACK DEMONS


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Black Demons (1991, Itália)
Direção: Umberto Lenzi
Elenco: Keith Van Hoven, Joe Balogh, Sonia Curtis,
Felipe Murray, Juliana Teixeira, Maria Alves, 
Cléa Simões e Rita Monteiro.

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Muita gente acha que é um modismo dos filmes atuais destruir o mundo com terremotos, maremotos, quedas de meteoros e outras tragédias naturais (ou nem tanto). Mas o chamado "cinema-catástrofe" na verdade é tão velho quanto o próprio cinema: algumas semanas depois do terrível naufrágio do Titanic, no longínquo ano de 1912, produtores alemães já lançavam a primeira versão cinematográfica da tragédia, "In Nacht und Eis" - ou seja, 85 anos antes de James Cameron filmar aquela sua superestimada versão do mesmo naufrágio, em 1997.

Já o norte-americano "Deluge", de 1933, mostrava Nova York sendo destruída por um maremoto 71 anos antes de Roland Emmerich fazer o mesmo em "O Dia Depois de Amanhã" (2004), com direito a cena muito parecida da Estátua da Liberdade desaparecendo em meio às ondas gigantescas! E isso só para citar dois exemplos mais conhecidos, tem muita coisa por aí para ser redescoberta.

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Mas foi mesmo na década de 70 que o "cinema-catástrofe" atingiu o auge da popularidade (e lucratividade). E a maioria dos pesquisadores/historiadores do assunto concorda que isso aconteceu por causa de AEROPORTO, uma superprodução da Universal Pictures que chegou aos cinemas em 1970, e teve o então astronômico orçamento de 10 milhões de dólares.

Não seria exagero dizer que, na época em que foi feito, AEROPORTO era uma blockbuster tão caro e megalomaníaco quanto o "Titanic" de James Cameron. E, assim como este, também foi um sucesso estrondoso no mundo inteiro, faturando mais de 100 milhões de dólares só nos cinemas norte-americanos - ou, em valores atualizados,  558 milhões de dólares, tornando-o o 42º filme mais rentável de todos os tempos!

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O sucesso de bilheteria comprovou que a equação "astros famosos + grande tragédia + melodrama" podia ser bem rentável. E não demorou para os grandes estúdios começarem a investir em todo tipo de superprodução nessa linha: "O Destino do Poseidon", "Inferno na Torre", "Terremoto", "O Dirigível Hindenburg", "O Enxame", e por aí vai.

O próprio AEROPORTO virou uma franquia, com três continuações que não eram exatamente continuações, mas sim recriações do mesmo "suspense aéreo" do original. Ao invés de "Parte 2" ou "Parte 3" no título, as sequências passaram a ser batizadas com o ano em que foram realizadas (!!!): "Aeroporto 75", "Aeroporto 77" e, finalmente, "Aeroporto 80 - O Concorde". Ou seja, uma década inteira explorando o eterno medo de voar, já que os quatro filmes foram produzidos entre 1970 e 79.

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O mais curioso é que AEROPORTO nem foi o primeiro filme sobre aviões em perigo, embora seja lembrado assim até hoje. Nos anos 50, quando o transporte aéreo de passageiros ainda era coisa de luxo e as aeronaves bem menores, várias produções exploraram o potencial "desastroso" do meio de transporte: "No Highway in the Sky" (1951) trazia James Stewart como um engenheiro da aeronáutica preocupado com uma possível tragédia durante os testes de um novo avião de transporte; "Um Fio de Esperança" (1954) trazia John Wayne como o co-piloto que precisa assumir o comando de um avião de passageiros com problemas mecânicos, e "Zero Hour!" (1957) mostrava um avião abandonado à própria sorte quando a tripulação é envenenada pela comida de bordo (o mesmo argumento seria usado anos depois na comédia "Apertem os Cintos... O Piloto Sumiu!").

Já dez anos antes de AEROPORTO, em 1960, estreou "Céu de Agonia", de Joseph Pevney, cuja linha narrativa é muito parecida com a deste blockbuster da Universal: um jato militar entra em rota de colisão com um avião comercial e, com a tragédia iminente, acompanhamos os dramas pessoais da tripulação e dos passageiros. Mas nenhum desses filmes anteriores chegou perto do sucesso do seu "parente" mais famoso. (Clique na imagem abaixo para ampliar)

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Confesso aos nobres leitores do FILMES PARA DOIDOS que morro de medo de voar. A bem da verdade, só apelo para o transporte aéreo em último caso; se não há pressa para chegar ao destino, opto pelo velho e bom ônibus. Já encarei viagens de 18 horas de busão que poderiam ter sido feitas em apenas 1h30min via aérea. Mas, acredite ou não, fiquei mais tranquilo passando quase um dia inteiro na estrada do que menos de duas horas no ar.

E sim, eu sei que a probabilidade de sofrer um acidente na estrada é muito maior do que a de sofrer um acidente aéreo. Porém nada me tira da cabeça que você tem bastante chance de sobreviver a uma colisão automobilística, mas ao mesmo tempo não tem nenhuma chance de escapar caso o avião caia. Portanto, por via das dúvidas, prefiro ficar no chão, em terra firme, sempre que possível.

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Por causa desse medo de avião, a série "Aeroporto" deveria ser totalmente horripilante para mim, certo? Errado! Apesar de muitos imaginarem que AEROPORTO e suas sequências são filmes sobre tragédias aéreas, as quatro obras podem ser melhor definidas como melodramas insossos, que mais comprovam a segurança do transporte aéreo do que exploram os seus riscos. Afinal, nos quatro filmes, os passageiros geralmente escapam ilesos aos maiores desastres (menos os vilões, é claro) graças à perícia dos pilotos-heróis, à assessoria das equipes de terra e à tecnologia dos aviões, que podem ser controlados até por... aeromoças?!?

Sem medo de ser injusto, eu diria que nenhum dos quatro filmes da série "Aeroporto" têm algo tão assustador quanto a cena do desastre aéreo no início de "Premonição". Essa sim me dá calafrios toda vez que revejo, e inclusive eu lembro apavorado dessa maldita cena toda vez que sou obrigado a entrar num avião!

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Mas a verdade é que qualquer turbulência leve numa viagem aérea verdadeira é muito mais emocionante e assustadora do que tudo que foi mostrado nesta franquia clássica da Era de Ouro dos "Disaster Movies". Mesmo assim, resolvi enfrentar meus próprios medos e "presentear" o leitor do FILMES PARA DOIDOS com esta rápida "Maratona Aeroporto".

Serão cinco atualizações diárias com os quatro filmes da série "Aeroporto" e um quinto filme bastardo, "Concorde", que não faz parte da franquia da Universal e foi produzido na Itália (claro...) para aproveitar o lucrativo filão. Então aperte os cintos e prepare-se para a decolagem com AEROPORTO, o primeiro título da franquia e o suposto responsável pelo início da onda de cinema-catástrofe dos anos 70!

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AEROPORTO começou como um best-seller escrito por Arthur Hailey, que foi publicado dois anos antes, em 1968. Foi o segundo livro do autor envolvendo desastre aéreo: em 1958, Hailey já havia publicado "Runway Zero-Eight", novelização daquele velho filme "Zero Hour!" que citei lá atrás.

"Aeroporto", o romance, era um calhamaço de quase 500 páginas sobre os dramas pessoais e profissionais vividos pelos profissionais que trabalham no Lincoln International Airport, um aeroporto fictício de Chicago. A adaptação para o cinema foi feita pelo também diretor George Seaton, e você percebe a dificuldade que foi condensar as 500 páginas em pouco mais de duas horas pela quantidade de personagens e acontecimentos vistos na tela.

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Como no livro, o personagem central de AEROPORTOé o diretor de operações do Lincoln International Airport, Mel Bakersfeld (interpretado por Burt Lancaster). Mel precisa lidar com uma cacetada de problemas ao mesmo tempo: uma grande nevasca, a pior em muitos anos, está dificultando as operações no aeroporto; um avião que pousava ficou atolado na neve, obstruindo a principal pista de aterrissagem e exigindo sua retirada imediata; moradores de uma área próxima protestam por causa do barulho das decolagens; uma velhinha golpista (Helen Hayes) está voando sem pagar; sua esposa (Dana Wynter), negligenciada por causa do excesso de trabalho, ameaça pedir divórcio, e sua assistente Tanya (Jean Seberg), por quem ele é secretamente apaixonado, está prestes a pedir transferência para San Francisco.

Quando parece que a coisa não pode piorar, nosso herói recebe uma notícia bombástica, nesse caso literalmente: o voo da fictícia Trans Global Airlines, que acabou de sair do aeroporto com destino a Roma, leva como passageiro um psicótico, Guerrero (Van Heflin), que pretende explodir o avião com uma bomba durante a travessia do Atlântico, eliminando assim os vestígios da sabotagem para que sua esposa ganhe os milhões do seguro de vida que ele fez na véspera da viagem!

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No interior do desafortunado voo, a tripulação já tem seus próprios problemas ALÉM da ameaça de bomba. Afinal, uma das regras de ouro do cinema-catástrofe dos anos 70 era colocar o máximo possível de personagens secundários com dramas pessoais a desenvolver, e por isso o co-piloto interpretado por Dean Martin (!!!) está dividido entre a esposa (que é irmã de Mel!!!) e a amante aeromoça grávida (Jacqueline Bisset), a quem ele pediu que faça um aborto, numa época em que o tema ainda era tabu (ou MAIS tabu).

E é claro que, embora os tripulantes tentem resolver o problema da bomba pacificamente, a dita cuja acabará indo pelos ares, abrindo um rombo na fuselagem da aeronave e provocando sua despressurização. A aeromoça amante do co-piloto fica gravemente ferida e a tripulação precisa voltar a Chicago para um pouso de emergência... mas apenas se Mel conseguir liberar a pista obstruída por aquele outro avião atolado! Sentiu o drama?

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Confesso que só fui assistir AEROPORTO agora, mais de 40 anos depois do seu lançamento, e fiquei bastante frustrado com o pouco tempo que a história se passa no fatídico voo. Isso porque o foco da trama, como acontecia no livro de Hailey, fica mais no pessoal que trabalha em terra, no aeroporto, principalmente Mel, que precisa lidar de uma única vez e rapidamente com todos os problemas do filme, e ainda garantir o pouso em segurança da aeronave ameaçada.

Bem, justiça seja feita: o nome do filme é AEROPORTO, e não "Avião"! Isso justifica o fato de a trama ficar mais concentrada na equipe de terra do que no ar. Para o leitor ter uma ideia, o avião só decola depois que já passaram-se 50 minutos de filme, e as cenas de "tensão aérea" mal somam meia hora dos 137 minutos de projeção!

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Assim, a maior parte da ação transcorre no aeroporto, cujas cenas foram filmadas no Minneapolis-Saint Paul International Airport, em Minnesota. E uma grande qualidade do filme é a forma como ele detalha o trabalho dos pilotos e das equipes de emergência - exemplo: a cena em que uma mensagem cifrada é transmitida pelos alto-falantes do aeroporto para reunir todos os agentes de segurança sem provocar pânico generalizado.

Nos filmes seguintes da série, as histórias dariam muito mais destaque à ameaça no interior do próprio avião, e como ela afeta tripulação e passageiros, situando-se por menos tempo no aeroporto em si. Ao optar pelo contrário disso, AEROPORTO mal pode ser considerado um "filme-catástrofe", já que sequer há uma grande tragédia e praticamente ninguém morre (além do sujeito que detona a bomba e vai para os ares junto com ela).

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Eu até diria que o filme que iniciou a Era de Ouro do Cinema-Catástrofe é mais melodrama do que cinema-catástrofe! E considerando que os episódios posteriores vão direto ao assunto, e seus aviões geralmente decolam e se dão mal ainda nos primeiros 20 minutos, AEROPORTOé o título que eu menos gosto da quadrilogia, num daqueles casos raros de "sequências melhores que o original".

Mas não me interprete mal: analisando friamente todos eles são muito ruins, com a diferença de que os três posteriores são mais divertidos, mais puxados para o tom de "aventura absurda", e sem tanta enrolação quanto esse aqui. Em alguns momentos, o filme força tanto a barra no dramalhão que fica a impressão de estarmos assistindo uma novela mexicana, e os dramas pessoais dos personagens nem são tão emocionantes assim.

E se parece que o roteiro já tem situações e personagens demais, saiba que a adaptação deu até uma resumida no livro de Arthur Hailey: um irmão de Mel que trabalha como controlador de tráfego aéreo, e que tinha grande participação na história do livro, felizmente foi limado do filme!

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Se AEROPORTO tem seus méritos pela maneira realista como apresenta as operações num aeroporto, por outro lado fica difícil levar a sério uma história que tem uma velhinha larápia cujo hobby é voar de graça e um piloto de avião sério e heróico interpretado pelo lendário "Dino" Martin, geralmente associado a personagens bonachões como Matt Helm, ou a suas parcerias com Jerry Lewis, além de ser popularmente associado ao alcoolismo. Portanto, quem confiaria num avião pilotado por Dean Martin?

Além disso, é completamente impossível levar a sério o personagem do psicótico com a bomba, já que fica claro desde que o sujeito entra no avião que ele vai aprontar alguma - sempre suando, sempre nervoso, com olhos esbugalhados e segurando contra o peito uma maleta de mão contendo a bomba. Quer dizer, o sujeito é tão suspeito que é um verdadeiro milagre que tenha conseguido ENTRAR NO AVIÃO em primeiro lugar, quem dirá ficar incógnito entre os demais passageiros!

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E o que dizer do fato de haver três médicos a bordo do avião para cuidar dos feridos (com direito a maletas contendo injeções de adrenalina, como se todo médico viajasse preparado para salvar pessoas da morte), ou do dano bastante limitado provocado pela explosão da bomba a bordo?

Outro problema grave é que AEROPORTO parece querer abraçar o mundo, com muita história para contar e muitas intrigas secundárias que pouco ou nada acrescentam. Se só a situação do avião ameaçado pela bomba já seria suficiente para um filme do gênero, por que perder tanto tempo com a outra aeronave emperrada na pista, com os protestos dos moradores vizinhos e com a esposa do protagonista pedindo o divórcio? Essas situações todas só emperram a trama, fazendo com que a bomba no avião acabe se tornando o menor dos problemas do protagonista.

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Para "ganhar tempo" com tantas situações para desenvolver, o diretor Seaton usou e abusou de um recurso que ainda era relativamente novo na época, mas hoje já virou clichê: o chamado "split screen", que consiste em dividir a tela para mostrar ao mesmo tempo personagens que estão em lugares diferentes, durante ligações telefônicas ou transmissões de rádio.

Isso rende alguns momentos visualmente curiosos, como quando Mel liga para casa e fala com a esposa e as filhas, cada uma em seu pequeno "quadrinho" de split screen; ou na já citada cena em que os agentes de segurança do aeroporto são alertados via auto-falante.

Obviamente, um recurso como esse só funciona na versão original do filme, com formato de tela em widescreen. Por isso, quando AEROPORTO foi exibido na TV e a imagem teve que ser adaptada para "tela cheia" (com cortes nas laterais para que tudo coubesse na tela da televisão, sem as famigeradas faixas pretas), muitas dessas cenas em split screen foram "desmanchadas" e transformadas no tradicional "plano e contraplano".

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Dos quatro filmes da série oficial, AEROPORTOé o mais "sério" e realista, e talvez por isso mesmo eu ache mais fraco em comparação com o divertidíssimo fator trash das continuações. Além disso, o roteiro não se decide: ora é ultra-moralista (o único a morrer é o psicótico que leva a bomba ao avião, e o piloto interpretado por Dino logo se convence que é melhor assumir o bebê da amante a obrigá-la a fazer aborto), ora é extremamente hipócrita, passando a mensagem de que todos os problemas de um homem podem ser resolvidos caso ele abandone sua esposa e fique com uma garota mais nova (dois dos personagens principais fazem isso e têm direito a um "final feliz" longe das esposas megeras!).

Mesmo assim, AEROPORTO chegou a enganar os críticos na época do seu lançamento, ganhando muitas resenhas favoráveis, e foi indicado (pasmem) a 10 Oscars: Melhor Filme, Roteiro Adaptado, Trilha Sonora, Som, Edição, Figurino, Fotografia, Direção de Arte e Atriz Coadjuvante, com duas indicações (para Maureen Stapleton e Helen Hayes).

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Ao contrário da rapa que aquele outro filme-catástrofe, "Titanic", faria em 1997, AEROPORTO faturou apenas uma das estatuetas, a de Melhor Coadjuvante para Helen Hayes, mas Maureen pôde se conformar com um Globo de Ouro pela sua performance (e nem deveria, pois, como a esposa do homem da bomba, sua atuação é exagerada e quase constrangedora).

Já a veterana Helen Hayes (abaixo), que estava com 70 anos na ocasião, interpreta uma espécie de alívio cômico (a velhinha trambiqueira) num filme que pretendia ser sério e tenso. Ela vinha dos tempos do cinema mudo (seu primeiro filme é de 1917!!!), e já tinha ganhado outro Oscar, esse como Melhor Atriz, em 1931, graças à sua atuação em "The Sin of Madelon Claudet". Falecida em 1993 (sendo que fez filmes até 1985!), Helen foi a primeira de diversos veteranos e veteranas que apareceriam nos filmes posteriores da franquia.

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Entre as demais caras conhecidas do elenco, além vale destacar ainda as presenças de Barry Nelson (o primeiro ator a interpretar 007, na versão televisiva de "Cassino Royale"), como o piloto do avião ameaçado pela bomba, e de George Kennedy como o mecânico Joe Patroni, o encarregado de "desencalhar" o avião que está obstruindo a pista de pouso do aeroporto.

Por sinal, coube a Kennedy a "honra" de ser o único ator a participar dos quatro filmes oficiais da série, já que Patroni voltou nas continuações, e em uma delas foi até absurdamente promovido de mecânico a piloto (!!!).

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Essa receita de unir astros da época e de outrora provou ser uma das razões do sucesso de AEROPORTO, e a partir de então todo filme-catástrofe digno dessa categoria buscaria juntar elencos milionários e cheios de nomes conhecidos, inclusive o pessoal da antiga que já não conseguia mais trabalho e tinha neste subgênero o seu "canto de cisne".

AEROPORTO também lançou uma regra que se repetiria em todas as continuações: os astros que lamentam ter feito parte da bagaça. Aqui, a honra coube ao respeitado Burt Lancaster. Embora sua interpretação seja convincente, o astro declarou o seguinte em entrevista da época:"Não sei porque 'Aeroporto' foi indicado a tantos Oscars. É o maior lixo já produzido!"

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No livro "Against Type: The Biography of Burt Lancaster", o escritor Gary Fishgall lembra que o astro vivia tempos difíceis na época das filmagens, pois estava se divorciando da esposa Norma Anderson (com quem era casado desde 1946 e tinha cinco filhos), e ainda participava ativamente dos protestos anti-Guerra do Vietnã.

Entrevistado por Fishgall para o livro, o produtor de AEROPORTO, Ross Hunter, lembrou como foi sua relação com Lancaster: "Ele era muito profissional, mas acho que não tinha o menor interesse no filme, e isso me incomodava, porque eu nunca tinha trabalhado com pessoas que faziam um filme sem gostar dele. Burt foi o único integrante do elenco que nunca disse 'obrigado', não foi à festa no final das filmagens e nunca fez nada para promover o filme. Eu até pensei comigo mesmo: 'Você é um idiota, devia ter contratado outro ator!'".

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Ironicamente, o sucesso comercial da produção rendeu tanto a Lancaster quanto ao seu colega de elenco Dean Martin uma fortuna considerável. Acontece que ambos foram espertinhos e colocaram cláusulas em seus contratos assegurando, além do salário habitual, o direito de receber 10% da bilheteria caso o filme fosse um sucesso.

E considerando que AEROPORTO está na lista das 50 produções mais lucrativas da história, ambos faturaram uma bela grana - Dino costumava dizer que ganhou 7 milhões de dólares ALÉM do seu cachê normal. Que barbada, hein?

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O grande problema de ver AEROPORTO hoje é que ele foi tão avacalhado no hilário "Apertem os Cintos... O Piloto Sumiu!" (1980), de Jim Abrahams e David e Jerry Zucker, que fica muito difícil levá-lo a sério. Por exemplo: todo o plot do maluco querendo explodir a bomba no avião para que sua família ganhe o dinheiro do seguro virou piada na continuação "Apertem os Cintos... O Piloto Sumiu 2!" (1982), repetindo até diálogos e ângulos de câmera!

Embora não tenha nada de comédia, AEROPORTO acaba se tornando involuntariamente engraçado graças aos muitos diálogos pretensiosos ou sem-noção entre os personagens. Num deles, a velhinha vigarista exalta as qualidades como violinista do seu falecido marido: "Ele era tão bom que tocava a Valsa do Minuto em 58 segundos". Em outro, dois técnicos de aviação discutem sobre um procedimento arriscado:"O livro de instruções diz que isso é impossível", queixa-se o primeiro, e o segundo retruca "Bem, um 707 pode fazer qualquer coisa, menos ler!".

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E o que dizer da resposta engraçadinha do piloto em um momento que deveria ser tenso:"Se o avião se partir no meio, eu espero que você tenha oito milhões para pagar por ele!". Essas bobagens ajudam a transformar o filme numa espécie de comédia fanfarrona, e fico imaginando se alguém algum dia levou o filme a sério.

Tecnicamente, pelo menos, o filme faz jus ao seu orçamento milionário: as cenas de nevasca são impressionantes pelo realismo, e isso que a produção teve que apelar para neve artificial quando o clima não ajudou na hora de gravar as externas. Consta que algumas dessas cenas de nevasca foram filmadas por Henry Hathaway, o diretor de "Bravura Indômita", como um favor para o produtor Hunter, e sem ganhar crédito.

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Várias cópias de AEROPORTO foram produzidas desde então, a maioria abaixo da crítica e sem repetir o mesmo sucesso. No final da década de 1990, houve até uma tentativa de resgatar o climão da série com a trilogia "Turbulência" (o original é de 1997, e as duas continuações horríveis de 1999 e 2001).

Claro que os efeitos especiais são melhores e permitem criar cenas bem mais tensas do que aquelas produzidas nos anos 70, e o elenco desses novos filmes também mistura atores famosos com outros conhecidos (Ray Liotta, Lauren Holly, Jennifer Beals, Tom Berenger, Gabrielle Anwar, Rutger Hauer, Joe Mantegna e Craig Sheffer foram alguns dos que pagaram mico nessa trilogia). Mas não deu muito certo, e sequer chegou perto do estrondoso sucesso de bilheteria de AEROPORTO e suas continuações.

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Por fim, numa daquelas ironias estilo "A vida imita a arte", o mesmo avião que nas telas resistiu a uma explosão e a uma aterrissagem difícil foi personagem principal de um grande desastre aéreo da vida real... e aqui no Brasil! Acontece que a mesma aeronave usada em AEROPORTO (um Boeing 707 de prefixo PT-TCS, pertencente à empresa Flying Tiger Line) tinha sido adquirida pela extinta Transbrasil para o transporte de cargas na rota São Paulo-Manaus.

Em 21 de março de 1989, o então rebatizado Voo Transbrasil 801 caiu durante o pouso no  Aeroporto de Guarulhos, atingindo a favela do Jardim Ipanema, a cerca de três quilômetros da pista. A aeronave não levava passageiros, mas estava carregada com 26 toneladas de equipamentos eletrônicos provenientes da Zona Franca de Manaus. O combustível explodiu com a queda, destruindo o famoso avião de AEROPORTO e matando os seus três tripulantes e mais 22 pessoas em terra, além de deixar centenas de feridos.

É nessas horas que faz falta um Burt Lancaster ou Dean Martin para salvar o dia...


Trailer de AEROPORTO


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Airport (1970, EUA)
Direção: George Seaton
Elenco: Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg,
Helen Hayes, Jacqueline Bisset, George Kennedy,
Van Heflin, Barry Nelson e Maureen Stapleton.

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Se 1970 foi o ano em que "Aeroporto" provou que era possível lucrar com a desgraça alheia, 1974 foi o grande ano do cinema-catástrofe: num curtíssimo espaço de tempo, estrearam "Inferno em Alto Mar", de Richard Lester (setembro/74), a primeira continuação de "Aeroporto", chamada AEROPORTO 75 (outubro/74, mas usando o ano de 1975 no título para não ficar datado quando lançado em outros países), "Terremoto", de Mark Robson (novembro/74), e "Inferno na Torre", de John Guillermin (dezembro/74).

Todos esses filmes levaram ao pé da letra a fórmula aprendida com "Aeroporto" alguns anos antes, de que astros famosos + grande tragédia + melodrama = sucesso de bilheteria. E coitadas das celebridades que se metiam nessas tranqueiras, gente graúda omo Walter Matthau, Ava Gardner, Steve McQueen, Fred Astaire, Paul Newman, William Holden, Richard Chamberlain, Richard Harris, Omar Sharif, David Hemmings, Anthony Hopkins, Ian Holm, etc etc etc.

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No caso de AEROPORTO 75, o mais interessante é que ele não foi originalmente concebido como uma continuação. Pelo contrário: o roteirista Don Ingalls, que costumava trabalhar com seriados, tinha ideias mais humildes e apresentou seu roteiro para a divisão televisiva da Universal, como proposta para um simples filme produzido para a TV.

Só que o produtor Jennings Lang leu, gostou, e deve ter se lembrado que o "Aeroporto" original foi a maior bilheteria da Universal até então. Com cifrões nos olhos, ele deu sinal verde para transformar o outrora humilde roteiro de Ingalls em algo muito maior, rebatizando-o como continuação de "Aeroporto".

No auge da cara-de-pau, colocaram até um crédito hilário no início que diz "Inspirado no filme 'Aeroporto', que foi inspirado no livro de Arthur Hailey", associando assim uma continuação sem relação com o autor do best-seller que deu origem ao primeiro filme! (Esta mesma frase seria usada também nos filmes seguintes.)

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Nenhum dos realizadores do original voltou para essa sequência - nem o produtor Ross Hunter, nem o diretor George Seaton. E o único astro do primeiro filme que reaparece é George Kennedy, repetindo o papel de Joe Patroni, embora completamente descaracterizado (conforme veremos em seguida).

Já a direção ficou a cargo de Jack Smight, que muitos cinéfilos devem lembrar como o responsável por "Harper, O Caçador de Aventuras" (1966) e "Herança Nuclear" (1977). No papel principal, sai Burt Lancaster e entra Charlton Heston, que poderia ganhar o título de "Muso do Cinema-Catástrofe" por ter sido o único astro a estrelar nada menos de cinco produções do gênero: esta, "Voo 502 em Perigo" (1972), "Terremoto" (1974), "Pânico na Multidão" (1976) e "S.O.S. Submarino Nuclear" (1978). Pelo visto, o velho Moisés gostava de uma boa tragédia...

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Heston interpreta o piloto Alan Murdock, e já havia aparecido como piloto às voltas com tragédias aéreas em seu filme-catástrofe anterior, "Voo 502 em Perigo". Murdock namora a aeromoça Nancy Pryor (a finada Karen Black, comprovando aqui que tinha uma das vozes mais irritantes da história do cinema), mas foge de compromisso como o diabo da cruz. É claro que uma pequena tragédia servirá para colocar o casal nos trilhos no final.

Os caminhos dos pombinhos se separam no Aeroporto Washington Dulles International: o piloto vai para um lado, e Nancy embarca no Voo 409 da Columbia Airlines, um Boeing 747 lotado com destino a Los Angeles. A tripulação é formada pelo Capitão Stacy (Efrem Zimbalist Jr.), seu co-piloto Urias (Roy Thinnes) e pelo navegador latino Julio (Erik Estrada!).

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Como este é um filme-catástrofe, e exige a inclusão de inúmeros personagens com seus próprios dramas pessoais, o avião está repleto de alguns dos mais excêntricos passageiros já vistos num filme "sério": tem três bebuns que já embarcam mamados e ainda passam o tempo inteiro atrás de goró; duas freiras, uma delas cantora; uma velhota alcoólatra; um ator que só está no voo para assistir o filme de bordo, em que ele fez uma pequena participação (o filme em questão é "American Graffiti", de George Lucas); uma veterana estrela de cinema e sua assistente, e até uma menina doente que está viajando para Los Angeles para fazer um transplante de rim, e tem as horas contadas para chegar à mesa de operação! Está bom de dramalhão ou quer mais?

Então tome mais: longe dali, um vendedor que tem uma reunião de negócios urgente freta um jatinho e encara um voo solitário com clima desfavorável. A cobiça será sua sentença de morte, pois ele sofre um ataque cardíaco durante o voo e acaba arrebentando seu jatinho no cockpit do Voo 409, abrindo um rombo na aeronave que fere gravemente o piloto e mata seus auxiliares!

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E como o Capitão Stacy teve os olhos machucados na colisão e não pode pilotar às cegas, sobra para a pobre aeromoça Nancy a responsabilidade de comandar a aeronave avariada e fazer um pouso de emergência. Ah, não esqueça da pobre menina lá atrás, que tem as horas contadas para o seu transplante de rim!

No início, a corajosa aeromoça recebe instruções via rádio do seu namorado Murdock e do veterano da série "Aeroporto" Patroni. Mas a dupla logo chega à conclusão de que Nancy jamais conseguirá pousar sozinha, e resolvem pôr em prática um plano ousado: transferir um piloto "de verdade" para dentro do avião em voo, pelo rombo aberto no cockpit, usando um helicóptero!!!

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AEROPORTO 75 pode até ser uma bomba como cinema (e é!), mas não tem importância: o resultado é divertidaço como entretenimento. Inclusive acho o filme muito melhor, menos sério e menos enrolado do que o original. Com meia hora a menos que "Aeroporto", a trama vai direto ao assunto (em menos de 20 minutos o avião já está no ar), e trabalha melhor os elementos de tensão e suspense. Até a tragédia da vez é bem mais interessante do que aquela enfocada no primeiro filme.

Outra diferença da "continuação" para o original é o fato de este dar mais destaque à tripulação da aeronave e aos passageiros em perigo do que à equipe em terra, ao contrário do que acontecia no filme de 1970. Na verdade, o espetáculo é todo comandado por Karen Black e pelos excêntricos passageiros que ela precisa salvar da morte quase certa; o "herói" Heston e seu sidekick George Kennedy aparecem berrando algumas ordens via rádio e só têm participação mais ativa no final - quando, claro, o piloto machão vai voluntariar-se para tentar retomar o controle do avião onde está sua namorada!

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A situação evolui para uma façanha complexa: um piloto é transferido de um helicóptero para dentro do avião, pelo rombo na fuselagem, através de um cabo de aço, e com ambas as aeronaves em pleno voo!

É o tipo de cena que, mesmo com algumas trucagens visíveis (dublê substituído por boneco, filmagem em estúdio com tela projetada no fundo), deixa o espectador na ponta da cadeira, e certamente hoje seria feita de maneira pouco convincente através de computação gráfica.

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O curioso é que AEROPORTO 75 foi produzido com muito menos grana que o original (US$ 4 milhões contra os 10 milhões do primeiro filme), e mesmo assim parece muito melhor produzido!

Mas as filmagens foram complicadas porque a Universal estava gravando outro filme-catástrofe (o bem mais caro "Terremoto") ao mesmo tempo, e as duas produções dividiam atores principais (Charlton Heston e George Kennedy), o mesmo diretor de fotografia (Philip H. Lathrop) e o mesmo produtor (Jennings Lang). Não foi fácil acertar os cronogramas dos "desastres", mas este aqui ficou pronto e foi lançado antes.

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No fim, AEROPORTO 75 vale menos pela história e mais pelas bobagens, pelo fator trash e pelas insólitas celebridades reunidas. Uma delas é a veterana dos tempos do cinema mudo Gloria Swanson, que estreou no cinema em 1915 (!!!), e aqui parece ter a mesma função que a também veterana Helen Hayes teve em "Aeroporto"; ou seja, a de homenagear as pioneiras da sétima arte (embora dessa vez sem direito a Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, como aconteceu no filme anterior).

O curioso é que Gloria Swanson interpreta... Gloria Swanson?!? Exato! Num curiosíssimo toque de metalinguagem, o roteiro coloca a veterana atriz como ela mesma! No filme, Gloria chega a citar celebridades de verdade com quem trabalhou, tipo o diretor Cecil B. de Mille, a atriz Carole Lombard e a cantora de ópera Grace Moore - sendo que essas duas últimas coincidentemente morreram em acidentes de avião em 1942 e 1947, e talvez até por isso tenham sido citadas.

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Na época das filmagens, Gloria estava com 75 anos de idade e já não trabalhava no cinema desde 1956. O papel de velha estrela tinha sido originalmente oferecido a Greta Garbo (que, por sua vez, estava aposentada desde os anos 40), mas Greta recusou e Gloria resolveu assumir a vaga, já que não tinha nada melhor para fazer mesmo (ok, essa foi maldosa...).

Em entrevistas da época, a veterana declarou o seguinte:"Eu estava esperando que me convidassem para um filme que pudesse levar meus netos para ver, que fosse emocionante e contemporâneo, sem apelar para violência sem sentido". Hã... Dona Gloria, acho que a senhora não foi muito feliz na escolha, viu? Mas AEROPORTO 75 acabou sendo o último filme da atriz, que morreu em 1983 sem voltar a pisar num set de filmagem.

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Outra veterana, que aparece interpretando a coroa bebum, é Myrna Loy. Ela também começou sua carreira nos tempos do cinema mudo, em 1925, e estava com 69 anos ao interpretar uma das passageiras de AEROPORTO 75. Depois, Myrna ainda fez mais alguns filmes (incluindo a tralha "Formigas Assassinas") antes de morrer em 1993, aos 88 anos.

Entre as presenças ilustres também está a "atriz-mirim" Linda Blair, então com 15 anos, no papel da garota doente que precisa receber um novo rim o mais rápido possível. Ela tinha recém-saído do set de "O Exorcista", e é impossível não lembrar disso quando vemos sua personagem deitada o tempo inteiro e sendo paparicada por uma das freiras a bordo - ironicamente, no seu filme anterior a personagem de Linda não tinha lá muita simpatia pelos representantes da Igreja!

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Vale ressaltar que a tal freira, que fica tocando violão e cantando para a pobre Linda Blair, é interpretada pela cantora australiana Helen Reddy, aqui fazendo sua estreia no cinema. Hoje o nome talvez não seja tão conhecido, mas, na época das filmagens, Helen era conhecida como a "Rainha do Pop dos Anos 70", e inclusive havia acabado de ganhar um Grammy pelo seu hit "I Am Woman", em 1973.

Surpreendentemente, a cantora-atriz foi indicada ao Globo de Ouro de "Melhor Revelação" por sua atuação como freira em AEROPORTO 75, mas depois não fez mais nada digno de nota além de "Meu Amigo, O Dragão", em 1977. Bela revelação...

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AEROPORTO 75 ainda permitiu um breve reencontro de Charlton Heston com duas atrizes com quem trabalhou anteriormente. Uma delas é Martha Scott (no papel da outra freira), com quem contracenou em "Os Dez Mandamentos" e "Ben Hur"; a outra é Linda Harrison, a gatinha que interpretou sua "namorada" Nova em "O Planeta dos Macacos" e "De Volta ao Planeta dos Macacos". Linda aparece no papel de Winnie, a assistente de Gloria Swanson, e infelizmente está vestida demais, aposentando os trajes sumários que usava lá no Planeta dos Macacos.

Por último, mas não menos importante, vale registrar as presenças dos comediantes Sid Caesar, como o ator que quer se ver no filme de bordo, e Jerry Stiller, como um dos passageiros bêbados.

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Também tem algo de muito curioso em AEROPORTO 75: a trama lembra bastante um outro filme sobre tragédias aéreas que eu citei na minha resenha anterior, "Céu de Agonia", de 1960. Neste filme, é um jato militar que entra em rota de colisão com um avião comercial, mas o argumento é bem parecido.

Não sei se foi uma citação intencional ou a mais bizarra das coincidências, mas veja só que maluquice: em "Céu de Agonia", Dana Andrews interpretava o piloto do avião comercial e Efrem Zimbalist Jr. o responsável pelo jato que provocava a tragédia. Pois aqui, em AEROPORTO 75, os mesmos atores aparecem em papéis trocados: Zimbalist Jr. agora é o piloto do avião comercial ameaçado pelo jatinho pilotado por Andrews (abaixo)!

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Como eu expliquei lá em cima, o roteiro de David Ingalls não foi originalmente escrito como uma continuação direta de "Aeroporto". Quando o produtor Lang teve a ideia de transformá-lo numa sequência, Ingalls foi obrigado a criar uma mínima relação que fosse com o filme de 1970. É aí que deve ter entrado o personagem de George Kennedy.

O problema é que Ingalls não respeitou as características que esse personagem (Joe Patroni) tinha em "Aeroporto", e simplesmente trocou o nome de algum outro personagem secundário do seu roteiro original. Duvida? Pois se em "Aeroporto" Patroni era o melhor mecânico da TWA, aqui ele foi misteriosamente promovido a vice-presidente de operações da Columbia Air Lines, e agora vive em Washington, não em Chicago!

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Tudo bem, vai que o sujeito tenha sido promovido depois de sua façanha de desatolar o Boeing da neve no final do primeiro filme, não é mesmo? Só que aí o roteiro cria outra complicação: em "Aeroporto", Patroni era casado com uma mulher chamada Marie (interpretada por Jodean Lawrence), e dizia ter cinco filhos; aqui, ele aparece com uma nova esposa chamada Helen (interpretada por Susan Clark) e anuncia ter um único filho, Joe Jr., de 12 anos! Por sinal, esposa e filho estão no voo fatídico, dando a Patroni uma razão pessoal para impedir a tragédia desta vez.

O engraçado é que, em fóruns da internet, alguns fãs da série tentam justificar essa presepada do roteirista alegando que Patroni na verdade levava uma vida dupla, com duas esposas e dois empregos em cidades diferentes! Aham...

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Enquanto "Aeroporto" foi uma das maiores bilheterias de todos os tempos, ganhou boas críticas e enganou até os membros da Academia, sendo indicado a 10 Oscars, AEROPORTO 75 já foi recebido com mais ceticismo, sem indicações ao Oscar e com críticas demolidoras.

Mesmo assim, repetiu o sucesso de bilheteria (47 milhões de dólares só nos cinemas norte-americanos), conquistando a sexta posição entre os filmes mais vistos nos EUA naquele ano, logo abaixo de "O Poderoso Chefão Parte 2" e sete posições acima de... "Chinatown", do Polanski!!!

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Mas o auge do "sucesso" foi sua inclusão no clássico livro "The Fifty Worst Films of All Time" (Os 50 Piores Filmes de Todos os Tempos), de Harry Medved e Randy Dreyfuss. Graças à bem-humorada análise da dupla nesse volume, AEROPORTO 75 ganhou certa aura de filme de culto, inclusive sendo redescoberto por uma nova geração de fãs que hoje o apreciam justamente pelos seus exageros, absurdos e - por que não? - pela sua divertida ruindade.

Eu sou um desses fãs, e repito que acho esse segundo filme muito melhor e menos pomposo que o original de 1970. Tem mais ação, mais tragédia, mais suspense, mais celebridades interpretando personagens cretinos e absurdos, e não fica enrolando tanto com os encontros e desencontros dessa gente como o episódio anterior. Também tem uma direção de arte doidona, repleta de roxo e rosa-choque (imagens abaixo), como se o responsável por este departamento tivesse trabalhado sob efeito de LSD.

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Principalmente, o filme parece não se levar tão a sério quanto seu antecessor: os passageiros são tão exóticos, e as situações são tão hilárias, que AEROPORTO 75 poderia muito bem ser o resultado de alguém filmando a sério o roteiro da comédia "Apertem os Cintos... O Piloto Sumiu!", do trio ZAZ.

Fica até difícil de dissociar um filme do outro, considerando que algumas piadas hilárias de "Apertem os Cintos..." foram tiradas daqui mesmo: a clássica comédia também tem uma menina doente a bordo, que viaja para fazer um transplante de coração, e que é animada por uma aeromoça que toca violão; além disso, "Apertem os Cintos..." repete a situação da aeromoça que precisa manter o avião no piloto automático quando o voo perde sua tripulação, com a diferença de que na comédia aparece um engraçadíssimo "piloto automático inflável" para comandar o avião!

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Já as cenas de ação e tensão de AEROPORTO 75 são tão boas que depois foram vendidas e reeditadas em diversas outras produções, incluindo um episódio do velho seriado do Incrível Hulk, em 1978, e até um filme recente, "Impacto", de 2000 - que usou as cenas antigas do piloto sendo transportado do helicóptero para dentro do avião em uma história nova rodada a preço de banana e estrelada por James Russo e Ice-T!

Mais do que um "filme-catástrofe", AEROPORTO 75 pode ser considerado um ótimo veículo de propaganda para a tecnologia dos aviões e para o profissionalismo das tripulações dos voos comerciais norte-americanos. Pouca gente morre no desastre, e a aeronave é tão boa que pode ser tranquilamente pilotada por uma aeromoça recebendo ordens via rádio.

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Fico me perguntando por que diabos os pilotos passam anos fazendo cursos e simulações de voo se, na hora H, a presença deles no cockpit não faz nenhuma diferença, e qualquer pessoa sem preparo pode controlar um avião com relativa facilidade - ou pelo menos essa é a mensagem passada por filmes como esse e, mais tarde, "Turbulência".

Claro que essas imbecilidades todas apenas tornam a coisa toda mais engraçada. E convenhamos que não tem como levar a sério um suposto dramalhão repleto de diálogos hilários, tipo aquele que se refere à menina que vai receber transplante: "Coitadinha! Ela está em Washington e o seu rim está em Los Angeles".

Com essa, encerro minha análise dessa comédia brilhante que é AEROPORTO 75. E se você quiser levar o filme a sério, azar o seu!


Trailer de AEROPORTO 75


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Airport 1975 (1974, EUA)
Direção: Jack Smight
Elenco: Charlton Heston, Karen Black, George Kennedy,
Efrem Zimbalist Jr., Gloria Swanson, Dana Andrews,
Myrna Loy, Sid Caesar, Helen Reddy e Linda Blair.

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Nos sete anos anteriores, a Universal produzira dois filmes envolvendo desastres aéreos ("Aeroporto" e "Aeroporto 75") que foram muito bem nas bilheterias, especialmente o primeiro. Os produtores achavam que o tema "aviões em perigo" ainda tinha fôlego para um terceiro episódio. Nos dois anteriores, as ameaças aéreas foram, respectivamente, uma bomba que abria um rombo na fuselagem de um avião e o choque de uma aeronave comercial com um jatinho, que matava a tripulação e forçava a aeromoça a tomar o controle.

Assim, tudo considerado, qual seria a escolha mais lógica para o argumento de um terceiro "Aeroporto"?
a-)Um avião que cai no meio do oceano e afunda, ameaçando afogar todos os passageiros quando a água invadir a aeronave?
b-)Uma tragédia aérea no temido Triângulo das Bermudas?
c-) Um avião particular, que está sendo usado como palco para uma festa de ricaços, colide com uma plataforma de petróleo, colocando a vida de todos em risco?
d-) Criminosos que sequestram um avião para roubar sua valiosa carga?
e-)Todas as alternativas acima?

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Pode até parecer inacreditável, mas a resposta para a pergunta é a opção"e"! Não sei de qual hospício a Universal tirou os roteiristas Michael Scheff e David Spector, mas a dupla simplesmente misturou todos esses argumentos num único filme, e o resultado foi AEROPORTO 77 - disparado o melhor filme da franquia.

Inacreditável, também, é que um negócio chamado AEROPORTO 77 tenha tão poucas cenas no próprio aeroporto ou nos ares. Porque se nas aventuras anteriores o desastre aéreo era controlado pelos protagonistas, aqui a tragédia finalmente se consuma e o avião cai. Felizmente (ou não), a aeronave cai no meio do oceano, afunda e cria toda uma nova situação de perigo para tripulação e passageiros: como sair dessa fria antes que o oxigênio no interior do avião acabe, ou que a fuselagem arrebente, matando a todos afogados?

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Não precisa pensar muito para perceber de onde veio a inspiração para um filme de avião que se passa debaixo d'água (!!!): em 1972, logo depois do sucesso do "Aeroporto" original, a 20th Century Fox lançou "O Destino do Poseidon", de Ronald Neame, sobre o naufrágio de um transatlântico e o drama de celebridades como Gene Hackman, Ernest Borgnine e Shelley Winters para escapar da terrível morte por afogamento. Foi outro grande sucesso de bilheteria (refilmado por Wolfgang Petersen em 2006).

Além disso, já não havia mais muito a acrescentar depois de dois "Aeroporto" e dos diversos filmes para a TV mostrando aviões em perigo, como "Assassinato no Voo 502" (1975), de George McCowan, com Robert Stack e Farrah Fawcett, e "Voo para o Holocausto" (1977), de Bernard L. Kowalski, com Christopher Mitchum e Desi Arnaz Jr.

Espertinha, a Universal resolveu fazer uma espécie de "crossover" unindo as duas tragédias, aérea e naval. E se parte do público já sofria com a situação claustrofóbica de passageiros indefesos à mercê de uma aeronave em perigo, o que dizer da duplamente claustrofóbica sensação de estar preso dentro de um avião em perigo SUBMERSO?

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Novamente produzido por Jennings Lang e William Frye (a dupla responsável pelo anterior "Aeroporto 75"), e dessa vez dirigido por Jerry Jameson, AEROPORTO 77 descarta logo de cara o tradicional voo comercial dos filmes anteriores. Aqui, somos levados a bordo de um luxuoso Boeing 747-100 particular, modificado por um bilionário para ser seu brinquedinho particular, com direito a piano-bar, jogos eletrônicos, escritórios e até quartos para seus distintos convidados.

O dinheirudo em questão é Philip Stevens (James Stewart, que em 1951 enfrentou problemas aéreos em "Na Estrada do Céu", mas aqui nem chega perto do avião). Ele convida amigos da alta sociedade, celebridades e familiares para fazer a viagem inaugural do luxuoso avião, entre Washington e Palm Beach. Não bastasse transportar boa parte do PIB da região, o 747 também leva, no compartimento de carga, a coleção particular de arte de Stevens, de valor incalculável, que está sendo transferida para um novo museu.

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É claro que isso atrai a cobiça de uma organizadíssima quadrilha de ladrões profissionais, que infiltra-se entre a tripulação e coloca todo mundo para dormir com gás durante a travessia do Atlântico. O co-piloto Chambers (Robert Foxworth), que está mancomunado com os bandidos, desce com a aeronave para voar rente ao nível do oceano, fazendo-a desaparecer do radar.

O plano dos ladrões era pousar na pista abandonada de uma ilha próxima antes que todo mundo acordasse, mas é óbvio que a coisa não vai ser tão simples: bem no meio da região conhecida como Triângulo das Bermudas (coincidência??? hein? hein? hein?), Chambers desvia tarde demais de uma plataforma de petróleo escondida pela densa neblina, e o choque destrói os motores de uma das asas.

O avião descontrolado acaba caindo no oceano e afunda rapidamente. Para piorar, as equipes de resgate sequer sabem o local onde a aeronave naufragou, já que os bandidos fizeram com que ela sumisse do radar e saíram do curso normal por um bom tempo!

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Num daqueles casos clássicos de justiça poética, dois dos criminosos são mortos na queda do avião, e apenas Chambers sobrevive. Os demais passageiros acordam e, horrorizados, percebem que estão submersos a 30 metros da superfície e dentro de um negócio cuja fuselagem não foi projetada para aguentar a pressão da água - ou seja: pode arrebentar a qualquer momento e afogar todo mundo, até porque o avião parou na beira de um abismo e ainda corre o risco de despencar para uma profundidade desconhecida!

A única esperança dos desafortunados ricaços reside no intrépido piloto Don Gallagher (Jack Lemmon!!!), o único que consegue manter a cabeça no lugar e pensar com a lógica em meio a uma situação tão complicada. Ainda há o problema de vários passageiros terem se ferido gravemente na queda, e o fato de o único "médico" a bordo ser um veterinário! E agora, José? Como sair dessa?

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AEROPORTO 77 não apenas tem o maior número de desastres consecutivos (queda de avião E naufrágio no mesmo filme!), mas também possui, de longe, o elenco mais estelar da franquia. Além dos lendários James Stewart e Jack Lemmon, que eu jamais imaginei que veria num filme-catástrofe, vários astros surgem em pequenas participações interpretando os passageiros do fatídico voo naufragado, e todos eles com seus próprios dramas pessoais, claro.

Temos, por exemplo, o casal em crise formado pela oscarizada Lee Grant e por... putzgrila! Christopher Lee (que dessa vez, acredite se quiser, NÃO é um dos vilões!!!). Temos um pianista cego (Tom Sullivan) e a garota que é apaixonada por ele (Kathleen Quinlan). Temos Lisa, a filha do milionário (Pamela Bellwood), e seu próprio filho, Benjy (Anthony Battaglia), que viaja para conhecer o avô. Temos a coroa em crise (Olivia de Havilland) que encontra um velho admirador a bordo (Joseph Cotten). Temos o garçom negro (Robert Hooks) que espera o telefonema da esposa grávida e prestes a dar à luz. E ainda Brenda Vaccaro, M. Emmeth Walsh, Darren McGavin, Michael Pataki (como um dos ladrões, é claro!) e o eterno coadjuvante da série, George Kennedy, mais uma vez dando as caras como Joe Patroni, que era mecânico em "Aeroporto", vice-presidente de outra companhia aérea em "Aeroporto 75" e aqui aparece trabalhando numa terceira empresa!!!

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Ok, é preciso dar um desconto para a premissa absurda, já que a situação representada no filme jamais poderia acontecer na vida real por dois motivos: primeiro, o impacto de uma "aterrissagem" no mar àquela velocidade arrebentaria o avião no meio; segundo, a aeronave não afundaria tão rápido como mostrado no filme, pois o interior pressurizado a manteria mais leve que a água durante tempo suficiente para providenciar o desembarque dos passageiros, mesmo com o buraco na fuselagem provocado pela colisão na plataforma de petróleo.

Mas e quem diabos espera realismo numa aventura tosqueira como essa? O que importa é que o filme funciona e, dos quatro episódios oficiais da série "Aeroporto", este é o que traz mais situações de tensão e perigo e menos dramalhão. Até porque, nos outros, o avião fica no ar e os personagens não têm muito o que fazer além de ficar sentadinhos, gritar e confiar nos pilotos (ou na aeromoça); aqui já há uma interação muito maior entre todos, e também mais momentos de suspense, principalmente quando a água começa lentamente a invadir o interior da aeronave.

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Quando filmou AEROPORTO 77, o diretor Jameson já era praticamente um especialista em cinema-catástrofe, tendo dirigido várias produções televisivas com histórias do gênero: "Heat Wave!", sobre um casal tentando sobreviver durante uma implacável onda de calor que secou todas as fontes de água da sua cidadezinha; "The Elevator", sobre o drama de pessoas presas dentro de um elevador no topo de um arranha-céu (?!?); "Hurricane", uma história sobre caçadores de tornados filmada 20 anos antes de "Twister"; "Terror on the 40th Floor", que era uma cópia barata de "Inferno na Torre", e até "The Deadly Tower", baseado no episódio real do sniper Charles Whitman, aqui interpretado por... um jovem Kurt Russell!

Enfim, com tantos trabalhos pregressos nessa linha, Jameson já estava mais do que preparado para dirigir uma superprodução "catastrófica" como essa, e não faz feio. Pelo contrário: em comparação com a direção burocrática dos outros episódios, ele até que se sai bem demais, colocando seus personagens em constantes situações arriscadas, matando vários deles sem dó e até criando algumas cenas de roer as unhas.

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Um dos pontos altos envolve Jack Lemmon e Christopher Lee enfrentando um arriscado mergulho, em que o Drácula acaba se dando mal (imagens acima). Sem nenhuma frescura, o próprio Lee fez as cenas em que seu cadáver afogado aparece flutuando! A meia hora final do filme também é ótima, e envolve a tentativa de resgate do avião submerso. Para isso, a Marinha norte-americana põe em prática um plano mirabolante, usando mergulhadores e balões cheios de gás.

Consta que a produção primou pelo realismo nesse aspecto, e os procedimentos mostrados estariam dentro dos padrões usados para resgates semelhantes (ou pelo menos assim confirma o letreiro no fim do filme). Isso provavelmente credenciou Jameson para dirigir o posterior "O Resgate do Titanic" (1980), sobre outra operação delicada de resgate cujo título já entrega (mas, apesar da ideia interessante, este outro filme é bem ruim).

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AEROPORTO 77 teve um orçamento maior que o da segunda parte (cerca de 6 milhões de dólares) e repetiu o sucesso de bilheteria, embora arrecadando menos que as aventuras anteriores (em torno de 30 milhões nos cinemas norte-americanos). Também foi o segundo filme da série a chegar à entrega do Oscar, sendo indicado a duas estatuetas: Melhor Direção de Arte e Melhor Figurino (perdeu os dois prêmios para um tal de "Guerra nas Estrelas"...).

O sucesso de público comprovou que ainda havia potencial para histórias sobre aviões em perigo, e até surgiram mais algumas imitações feitas para a TV: "Ameaça no Supersônico" (1977), de David Lowell Rich, com Burgess Meredith, Peter Graves e um jovem Billy Cristal; "A Queda do Voo 401" (1978), de Barry Shear, com William Shatner e Adrienne Barbeau; e "O Fantasma do Voo 401" (1978), dirigido por Steven Hilliard Stern e com Ernest Borgnine e uma jovem Kim Basinger.

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Embora subverta a situação básica dos outros filmes (o avião fica pouquíssimo tempo no ar, para o alívio dos que têm medo de voar), este terceiro filme mantém as principais características da franquia. Traz, por exemplo, a tradicional atriz veterana homenageada. Enquanto nos anteriores essa "honra" coube a Helen Hayes, Gloria Swanson e Mirna Loy, aqui a distinção foi aplicada a Olivia de Havilland (abaixo), que estreou como atriz em 1935 e, entre outros filmes, atuou no clássico "E o Vento Levou...".

Só que ela não foi a primeira opção para o papel: outra veterana, Joan Crawford, foi convidada mas pulou fora). Olivia já não trabalha no cinema desde 1988, mas, "até o fechamento desta edição" (dezembro/2013), ainda estava viva, aos 97 anos de idade! Antes de AEROPORTO 77, ela já tinha sido convidada para ser a "celebridade das antigas em perigo" em "Inferno da Torre" (1974), mas recusou. Acabou cumprindo essa função aqui e também no péssimo "O Enxame", de Irwin Allen, lançado em 1978.

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Outra característica da série "Aeroporto" que se repete aqui são os astros que cospem no prato em que comeram, arrependendo-se de ter aparecido no filme e fazendo campanha contra ele. No original, essa responsabilidade ficou a cargo de Burt Lancaster; em AEROPORTO 77, tanto Jack Lemmon quanto Christopher Lee assumiram em entrevistas que acharam "um erro" fazer o filme. Lee inclusive declarou que só aceitou participar para ter a oportunidade de atuar ao lado de Lemmon, cujo trabalho admirava.

Finalmente, o roteiro também está inbuído de todo aquele melodrama e moralismo típicos da franquia. Os malvados são castigados pela tragédia, assim como a mulher adúltera, enquanto pouquíssimos dos personagens inocentes morrem, e muito menos a criança que passa a história toda moribunda e prestes a bater as botas - essa se salva, óbvio, porque "Deus é grande".

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Mesmo que Lemmon tenha se arrependido de estrelar o filme, ele está muito bem como o piloto que protagoniza pelo menos duas grandes cenas de ação: a primeira quando precisa sair do avião submerso pela área de carga inundada para assinalar a localização da aeronave; a segunda durante o resgate dos passageiros, quando enfrenta a água que invade rapidamente o interior do avião. Tudo somado, ele é o mais heroíco e atuante dos pilotos da série "Aeroporto".

Já Patroni, o personagem pau-pra-toda-obra de George Kennedy, não faz muita coisa aqui, e nem participa diretamente da operação de resgate da aeronave. Ele parece estar de má vontade depois de ter ajudado a salvar o dia nos dois filmes anteriores. Mas tudo bem: Patroni voltaria em alto estilo no quarto e último filme da série, dessa vez promovido a piloto (?!?).

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AEROPORTO 77 foi lançado numa época em que a franquia já era bastante popular na televisão. Assim, os produtores decidiram filmar mais uma hora de cenas adicionais (!!!) que foram depois inseridas numa versão mais longa para a TV. E bota longa nisso: a versão televisiva ficou com 190 minutos (1h10min a mais que na versão de cinema!), e foi exibida pela emissora NBC em dois dias (!!!), 18 e 20 de setembro de 1978, como se fosse uma minissérie.

A tal versão estendida virou uma espécie de raridade. Como nunca foi lançada comercialmente, ela até hoje circula em versões com imagem bem ruim que foram gravadas da TV na época da sua exibição. Os 70 minutos a mais tentam tornar os personagens-passageiros mais "humanos", dando-lhes flashbacks que explicam seu passado e suas motivações (a história de Kathleen Quinlan com o pianista cego é muito melhor desenvolvida nessa versão, por exemplo); também mostram algumas novas cenas de ação, incluindo a invasão dos bandidos a um laboratório de segurança máxima para roubar o gás utilizado para "apagar" os passageiros do avião posteriormente.

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George Kennedy e seu Joe Patroni também aparecem mais na versão televisiva de AEROPORTO 77, que inclusive resgata o filho do personagem, Joe Jr., que havia aparecido moleque em "Aeroporto 75", mas aqui já está crescido. Nas cenas adicionais, Patroni precisa faltar à formatura do filho para tratar da terceira tragédia aérea da sua carreira.

Além dos flashbacks dos personagens, a edição mais longa inclui ainda mais cenas de cadáveres submersos das vítimas da tragédia, que estranhamente foram cortadas da versão para o cinema (geralmente acontecia o contrário). Para ver imagens dessas cenas adicionais, vale a pena conferir esse site especializado em "disaster-movies".

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Para finalizar, duas curiosidades. Primeiro, o fato de AEROPORTO 77 ter virado uma atração no mínimo excêntrica do Universal Studios Tour: até a metade dos anos 80, os visitantes do estúdio podiam participar como "atores" de uma recriação das principais cenas do filme, em cenários bastante parecidos com os da própria produção! 

Toda a brincadeira era filmada e editada na hora, e depois os visitantes podiam levar para casa sua participação em AEROPORTO 77 em vídeo ou película 8mm. No YouTube é possível ver uma dessas recriações, devidamente capturada por alguém que visitou a atração na época.

A outra curiosidade é a oportunidade de ver toda a tecnologia do final dos anos 70 disponível no super-avião do milionário (abaixo), incluindo jogos de videogame (o clássico Pong da época pré-Atari, que aqui no Brasil foi jogado por quem teve o pré-histórico "Telejogo Philco"!) e até um rudimentar aparelho reprodutor de laser-disc, o Magnavox Magnavision VLP, usado para projetar um filme com um disco laser do tamanho de um bolachão em vinil (este era o avô do aparelho de DVD, mas na época não colou por causa do preço muito alto).

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E se você acha que depois do drama de uma bomba a bordo, de uma aeromoça promovida a piloto e de um avião submerso no oceano os produtores de "Aeroporto" não teriam mais o que inventar, saiba que, poucos meses após a estreia de AEROPORTO 77, o produtor Jennings Lang já estava dando sinal verde para a produção do quarto e último filme da série, "Aeroporto 80 - O Concorde".

Mas digamos apenas que este não é um daqueles casos em que guardaram o melhor para o final: a última aventura da franquia é tão trash, mas tão trash, que faz com que as anteriores pareçam "Cidadão Kane"! Porque se AEROPORTO 77é o melhor da série como filme de suspense e aventura, "Aeroporto 80"é definitivamente o mais divertido e mais involuntariamente cômico!

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PS 1: Diversas cenas de AEROPORTO 77 foram "emprestadas" por Fred Olen Ray e editadas em seu filme "Resgate nas Profundezas" (2000), com Fred Williamson e Tim Thomerson. Na verdade, o que Fred fez foi reaproveitar todas as cenas do avião sobrevoando o oceano, caindo, afundando, enchendo de água e sendo resgatado. Ele só filmou os takes com seus atores para substituir os do filme original, e nada mais. Ah, a magia do cinema (e da edição)...

PS 2: Se fazer uma festa de ricaços dentro de um avião em pleno voo parece ideia de jerico, saiba que a franquia "Turbulência", aquela imitação barata da série "Aeroporto" produzida nos anos 90, foi ainda mais longe: em "Turbulência 3" (2001), de Jorge Montesi, um show de heavy metal é realizado em uma aeronave em movimento!!! Menos mal que o avião dessa vez não chega a cair no oceano, mas isso não poupa do mico gente boa e conhecida como Gabrielle Anwar, Rutger Hauer e Joe Mantegna!


Trailer de AEROPORTO 77


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Airport 77 (1977, EUA)
Direção: Jerry Jameson
Elenco: Jack Lemmon, Lee Grant, George Kennedy,
James Stewart, Joseph Cotten, Christopher Lee,
Olivia de Havilland e Robert Foxworth.